Production sales and management of animation

作者：  李铁主编

出版社：湖南大学出版社,2010

简介：动画在发展成为具有复杂制作体系的制片工业和文化产业后,就有赖于动画生产管理与营销来应对市场激烈的竞争。《动画生产营销与管理》首先讲述了动画生产管理与营销的主要任务,以及如何搭建管理与营销团队,如何进行动画项目前期的策划:然后深入剖析了三维动画和二维动画的制作流程与项目化生产管理的模式;最后从文化创意产业的高度,详细分析了动画作品的营销方式及动画产业链的构成。 《动画生产营销与管理》注重理论与实践相结合、动画艺术与技术相结合,并结合动画创作的具体实例进行深入分析。可作为动画、游戏及数字媒体专业教材,也可作为相关领域专业人士的参考书籍。

Art Criticism in the 20th Century

作者：  沈语冰著

出版社：中国美术学院出版社,2003

简介：　　理论界流行着这样的见解：20世纪乃“批评的世纪”。单从一波接一波风起云涌的批评理论[critical theories]而言，这种说法似乎并不夸张。从上世纪初的英美新批评、俄国形式主义、精神分析学派，到上世纪中叶的结构主义、新结构主义、女权主义、新马克思主义，再到世纪末的新历史主义与后殖民文化批评，批评理论在20世纪的人文学科中确乎风光无限。即就视觉艺术批评来说，与上个世纪潮流迭起的艺术运动一样，艺术批评同样充满了精彩纷呈的景观：阿波利奈尔[Apollinaire]、罗杰·弗莱[Roger Fry]、本雅明[Walter Benjamin]、赫伯特·里德[Herbe rt Read]、克莱门特·格林伯格[ClemenlGreenberg]、阿尔法雷德·巴尔[Alfred Barr]、哈罗德·罗森伯格[Harold Rosenberg]、约翰·伯格[John Berger]、波普艺术批评家群体、查尔斯·詹克斯[Charles Jencks]、奥利瓦EOliwa]、阿瑟·邓托[Arthur Danto]、汉斯·贝尔廷[Hans Belting]、罗莎琳·克劳斯[Rosalind Krauss]、彼得·贝格尔[Peter Burger]、加布利克[Suzi Gablik]、胡伊森[Huyssen]、T．J．克拉克[T．J．Clark]、麦克尔·弗莱德[Michael Fried]、西尔盖·吉博[Serge Guibaut]、唐纳德·库斯比特[Danald Kusbit]、希尔顿·克莱默[Hilton Kramer]、斯蒂芬·莫拉夫斯基[Stefan Morawski]以及，或许是上世纪最伟大的批评家泰奥多·阿多诺[Theodor Adorno]。 　　　　然而，这些批评家及其理论在中国的命运却大不相同。当国内支学批评界对上世纪的各种文学批评理论如数家珍的时候，上述艺术批评家当中的许多人在国内艺术批评界甚至闻所未闻。艺术史向来被认为是本国史学中最弱的学科之一，而艺术批评理论的匮乏无疑加剧了它的不堪。上世纪最著名的艺术批评史家文丘利[Venturi]曾经断言：一切艺术史都是批评史，因为艺术史中对作品的描述、解释与评价无不涉及艺术批评，或者不妨说就是批评的任务。20世纪下半叶对西方艺术史的不满程度，可以从欧美各国质疑艺术史的方法论基础的出版物的持续升温这一事实中见出。可以这样说，批评理论的迅速发展已经改变了艺才史的方向。相应地，它的缺失也就成了国内艺术史学科的重灾区。 　　 批评家作为现代艺术潮流的孵化者、报导者、仲裁者甚至制造者，早已被公认为当代艺术动力机制中的关键。试想一下这些批评家在催化与帮助人们理解那些艺术运动中的角色：弗莱之于后印象派、阿波利奈尔之于立体派、格林伯格之于抽象表现主义。也许，我们可以援引美国艺术批评家库斯比特的观点作为我们对艺术批评的一般性质的初步认知。他认为，艺术批评家的角色经常是悖谬的。因为当艺术品还很新鲜和怪异时，他就率先，常常是最鲜活地做出反应，并且初步向我们解释它的意义。然而，他的反应又常常不很全面，因为这样的艺术品还没有被广泛地体验过：作品尚未有一个历史，一个据此可以解释“文本”的语境。当批评家将艺术品当作一个当下产品来遭遇时，它还缺乏历史“负载”。事实上，批评家的部分工作就是要在历史的法庭上赢得胜诉。这就是为什么，正如波德莱尔所说，批评家经常是一个对艺术品“充满激情和党派性的观察家”，而不是对其价值做出无翻害的判断的裁判员的原因。正因为它的当代性，他扮演着鼓动家的角色，只能从作品本身的角度来处理整个案子。对敏感的批评家来说，作品始终让他感到惊异，而他则始终对它保持热度。他会让未来的历史家们去处理诸如解剖艺术品——到那时，它通常已被假定有一个公认的意义一一之类的事情。 　　　　然而，批评家当下的观点常常成为有关该作品的本质特征的基本评价。批评家的反应，如果说不是所有未来解释的范型，至少是所有未来解释的条件。他的关注是作品进入历史的门票。现代批评家权力的标志，就是他对新艺术的命名。比如，路易斯·沃塞尔[LouisVauxcelles]的标签“野兽派”和“立体派”就曾大大地影响了人们对这些风格的理解。通过命名，这些艺术品对未来的人们来说就被赋予了某种本质特征。而且，只不过以“符号圈地运动”[Semioticenclave]——借用乌贝托·埃科[Unberto Eco]的术语一一作为开端的理解，成了话语构型的一整套语言，并且开创了各种观点的全部氛围。说白了，其责任是重大的。格林伯格有一回曾写道，批判性地趋近艺术品的最佳时机是当它的新颖性已经逝去而它自身却尚未成为历史之时。然而，正是在这一时刻，艺术品的阐释最是未曾得到解决，最是易受攻击的时候；也是在这样的时刻，批评家以即席命名的形式所作的当机立断，能够一劳永逸地封存它的命运。因此，正如奥斯卡·王尔德[Oscar Wilde]在《作为艺术家的批评家》[Critics as Artists]当中所说的那样，批评对艺术至关重要；批评把握、保存、培育、提升艺术。 　　　　由于对批评的效验估计不足，也由于对欧美上百年的现代艺术批评缺乏起码的参照，国内艺术批评多少尚处于黑暗中摸索阶段。最近10年来，虽有不少西方当代艺术材料被介绍进来，但是，令人遗憾的是，甚至介绍者本人对这些材料也不甚了了(国内乱轰轰的后现代主义理论研究即是明证)，或者以一种绕口令般的伶牙利齿在美术界捣浆糊，使本来严肃的学术工作往往成为一场混仗。于是，甚至出现了——据说流行于美术学院——“西方艺术没有什么，他们要等到塞尚以后才有文人画”之类的荒谬绝伦的观点。如果说本书有什么主题的话，那么其中之一肯定是对这种观点的批评。正当我们奋力抵抗所谓的“西方中心主义”的时候，曾几何时，中国中心主义早已偷偷地从后门溜回来了。事实上，它又何曾从我们泱泱大国五千年文明的“中国”血液中离开过?将艺术界(包括艺术教育界)观念的混淆单纯地归结为缺乏真正意义上的艺术批评(因为批评的原义之一就是“辨析”，亦即使观念尽可能清晰地得到表达)，可能失之简单。但是，对西方艺术批评的漠视与无知，已经让我们的学生吃足了苦头。 　　　　后果之一便是今日中国艺术走向了两个——至少在我看来——毫无希望的极端。在一极，艺术成了一种单纯的笔墨游戏与自娱自乐，一群与当下感性毫不相关的文人雅玩或匠人的玩意见。这类所谓的画家像龟缩在洞穴中的爬行类动物，固执而有耐心地蛰伏在他们的弹丸之地，他们坚固的硬壳足以抵挡任何来自外界的风雨的骚扰，社会的转型、生活的演化、感受性的变迁、审美观念的变化，在他们看来都是毫无意义的东西，或者干脆是不存在的。其理论依据据说来自丹尼尔·贝尔[Daniel Bell]的文化矛盾学说，一种认为在经济一技术、政治一社会与审美一文化之间有着不同步的结构的观点。问题在于，在贝尔那里只是一种“事实”[fact]的描述(还是相互“矛盾”的事实)，到了中国的文化保守主义者那里却成了一种可以遵照无误的“规范”[norm]。另一种理论据说是波普尔[Karl Popper]的“问题情境”，学说与贡布里希[E．Gombrich]的“图式理论”，一利认为艺术史的风格是艺术家在一定的情境中解决艺术问题的结果的思想。在这儿，波普尔的多样性的“问题情境”被许多人还原为单纯的“形式问题”，而在贡布里希那里是如此丰富而多层次的“趣味逻辑”则被简化为纯粹的“程式与匹配”的“形式课题”(好像贡布里希从来没有关心过趣味的变化似的)。 　　 文化保守主义者的另一个理由据说来自“对20世纪中国艺术史逻辑的观照”。在他们的观照中，20世纪的所谓“三大艺术思潮”，即主张水墨画西化的徐悲鸿与主张中西融合的林风眠都或多或少地失败了，唯独主张“拉开中西绘画距离、各自迈向各自高峰”的潘天寿取得了伟大的成功，并与吴昌硕、黄宾虹、齐白石一道，成为20世纪中国艺术史上最伟岸的大师。本书作者无意否定上述诸人的成就，对诸大师之间(包括徐、林在内)的排队问题也丝毫不感兴趣。我想指出的只是这样一个从未或很少处在人们反思范围中的事实：即20世纪30至40年代的中国现代艺术(特别是在上海)是如何在上世纪中叶的政治运动与保守主义分子的群起而攻之之下渐渐消亡的。所谓“三大思潮”，不管是西化派、融合派还是距离派，在我看来，只是文化保守主义阵营内部的争吵。而20世纪中国艺术史真正的三大思潮中，只有文化保守主义获得了空前成功，来自苏联的社会主义现实主义”过去在国内就没有得到过心悦诚服的承认，如今则早已成为新左派批评家反刍的草料，而现代主义的罂粟却像昙花一样烟消云散。但是，它顽固的毒素在被压抑了整整30年以后，终于在80年代中期悄悄绽放。 　　 第二个极端——在我看来是一个更阴险也是更恶毒的极端——就是在90年代以后以发烧似的热度迅速传播的流行性病毒：后现代主义。正如在欧美，后现代主义是无法挑战现存资本主义的情况下左派激进冲动的一种替代性选择(特别参见法国少壮派理论家费里与雷诺[LucFerry and Alain Renaut]对后现代老大师们的反击之作《60年代的法国哲学》[French Philosophy of the Sixties]，以及伊格尔顿[Eagleton]的《后现代主义的幻象》[The Illusions of Postmodernism])，中国式后现代主义的盛行也是80年代末中国激进知识分子新启蒙运动受挫的结果，从此，后现代主义立刻成为文化保守主义与新左派的最佳救命稻草，并加速了文化保守主义与新左派在反对现代主义这一点上的同盟，再次完成了对80年代中国现代主义的扼杀(情形与40年代末有着惊人的相似)。 　　　　后现代主义是兴起于西方60年代，在70年代达到猖獗的哲学、社会文化与艺术思潮。80年代初，主要由于哈贝马斯[Habermas]的分水岭之作《现代性：一项未完成的方案》[Modernity：An UnfinishedProject]的宣读，西方思想界开始了对后现代主义的强大的批判运动。80与90年代西方人文学科与社会科学的一个主题，可以被归结为现代主义／后现代主义之争。这在思想界表现在伽达默尔／德里达[Gadamer／Derrida]之争、哈贝马斯／福柯[Habermas／Foucault]之争这样的大师级理论交锋中，表现在法国新生代思想家费里与雷诺等对前此20年中拉康[Lacon]、福柯、德里达、布尔迪厄[Bourdieu]、博德利亚尔[Baudrillard]、德勒兹[Deleuxe]与利奥塔[Lyotard]的压倒性后现代思潮的直接对抗上，体现在德国中生代思想家魏尔默[A．Wellmer]、霍内特[A．Honneth]与法兰克[M．Frank]对法国思想的全面挑战中。在批评界体现在希尔顿·克莱默对后现代主义“庸人的报复”(参同名批评文集The Revenge of the Philistines)所作的反击上，体现在哈贝马斯与魏尔默对詹克斯的“后现代主义建筑理论”所作的驳正上，也体现在艺术批评界持久的“沃霍尔[wlarh01]还是博伊斯[Beuys]”的争论中。在艺术运动中，它不仅体现在德国“新表现主义”对美国波普艺术的宣战中，体现在98－99年美国现代艺术博物馆所举办的波洛克EPollock]大型回顾展中(并比较80年代批评波洛克及其高度现代主义的著名论文集《波洛克之后》[Pollocck andAfte门，以及99年出版的“批判之批判”论文集《波洛克：新的取向》[Pollock：New Approaches])，还体现在人们对晚期德朗[Derain]、巴尔蒂斯[Balthus]与莫兰迪[Morandi]的具象绘画的那种持久高涨的热情中。 　　　　90年代以来，几个特殊的案例事实上已经宣判了作为一种持续的哲学、思想文化与艺术思潮的后现代主义的死亡，尽管它的某些假设还将产生持久的影响。这也是拙著《透支的想象：现代性哲学引论》(学林出版社2003年版)的结论之一。在这些案例中，“海德格尔[Heidegger]事件”、“保罗·德·曼[Paul de Man]事件”与“索卡尔[Sokal]事件”具备足够的典型性。据说海德格尔是20世纪最具原创性的思想家，只有维特根斯坦EWittgenstein]一人堪与媲美。但是，海氏将希腊的存在本体论、中世纪的神学本体论与现代的逻辑本体论，一视同仁地概念化为“存在一神一逻辑学”[Onto-Theo-Logik]是一种典型的削平论。相应地，他将苏格拉底以后的整个西方历史一律视为“远离神的黑暗”，并于20世纪来到“黑夜之夜将达夜半”的最黑暗时期，也是对西方历史的过分简化的图解(显然是尼采的反启蒙思想“人类历史不是一部进步史，而是一部退化史”的翻版)。由于海德格尔戴上了这样一副哲学墨镜，他就不可能对20世纪现实中的色彩与层次做出区分，从而将国家社会主义、极权主义与自由民主制一律视为“现代性的产物”。在他看来，德国纳粹主义、苏联共产主义与美国自由主义，统统都是“同一回事”。这在某种程度上解释了他在德国纳粹运动中以及在其后的“非纳粹化”运动中的所作所为。“海德格尔事件”的复杂之处固然不容许人们在一个思想家的思想与他的在世行动中做简单的彼此类推，亦即，说海德格尔的思想直接导致了他的纳粹行为，或者说海德格尔一度的行为证明了他的思想是纳粹主义的，这都是不明智的。但是，如果说海德格尔的思想，再宽泛一点讲，德国20-30年代右翼知识分子(海德格尔、容格尔[Ernst Junger]、舍勒尔[Max Scheler]、卡尔·施米特[Karl SChmitt]，“汉语学界”右翼知识分子最为心仪的“四尔”)叫嚣着大地、鲜血、战争、种族的非理性主义思潮，与纳粹意识形态之间没有一点关联，那也委实太天真了! 　　 上世纪60年代，基本上由尼采与海德格尔培育出来的法国后结构主义思潮，漂洋过海去到美国后，在美国获得了更为露骨的后现代主义动机。正当美国陷于越战的泥潭而遭致自由民主价值的最大的合法性危机之时，由德里达打头，所谓的“耶鲁四人帮”为后盾的美国后现代主义思潮迅速地在全球漫延开来。其中最著名者，叫保罗·德·曼。此人极其聪明，文笔流畅，思路清晰。其基本观点是，一切文本都是作者袒露与隐瞒的运作，记忆与遗忘的策略。一切阅读都是误读。而写作与阅读则构成作者与读者之间一种揭露与掩盖、设访与投射的游戏。80年代末，从他年轻时期的某些档案材料中，人们发现了他原来是纳粹时期一个积极的反犹主义者。于是，美国大学特别是英文系里那些天真的解构主义信奉者们，突然惊讶地意识到了某个事实：解构主义与罪恶意识的压抑(遗忘)之间的不经意流露的关联。 　　　　90年代初，美国的“索卡尔事件”使后现代主义的最后一点美丽幻象也破灭了。索卡尔是一位美国物理学家，他花费了差不多整整两年的时间，处心积虑地炮制了一篇题为《超越界线：走向量子引力的超形式的解释学》[Transgressing the Boundaries．"Toward a Transformative Hermeneutics of Quantum Gravity]的诈文，其中充满了常识性科学错误同时却充斥了后现代主义者最喜爱的奇思妙想与时髦术语，并把它投给了美国最著名的后现代主义刊物之一《社会文本》[SocialContext](中国社会科学院的座上宾詹明信[F．Jameson]是该刊的主编之一)，结果是，此文被登了出来。尽管这一事件的深远意义远未为人们充分意识到，但是，人们普遍认为，此举表明了后现代主义者的学术水准已经下降到了何种荒唐的地步。 　　 可以并不夸张地说，上述三个事件事实上已经宣告了哲学、文学艺术与社会文化三个层次上的后现代主义思潮的破产。“事件”之所以为“事件”，乃是因为人们在其中倾注了大量热情，因而卷入了无数文献。围绕着这些事件，人们能够组织起纷纭的思绪，从而给予一个时代的精神状况以实体表现的形式。而这个时代精神状况则是：人们对于后现代主义应当被理解为20世纪下半叶西方社会的一种病理症状对一点已经获得了清楚的自我意识。后现代主义以其智性上的反理性主义、道德上的犬儒主义与感性上的快乐主义，即便在最为流行的时候，也没有逃脱西方有识之士的尖锐批判。本书多次提及的哈贝马斯就是这样一位思想家。而另外一些学者，则将后现代主义看成西方高度现代主义[high modernism]的一个反题。现在，走向终点的反题已经失去了昔日的锋芒，一种新的综合开始到来。那就是“后现代之后”：魏尔默与霍内特之坚持现代主义与后现代主义的辩证观，当作如是解。然而，本书作者宁愿坚持一种拓展了内涵的现代主义立场，并认为哈贝马斯的“未完成的现代性”，或贝格尔的“后前卫艺术”的提法更为可取。因为，如果说现代主义是西方现代艺术的正题，那么，贝格尔所说的旨在摧毁现代主义自主原则的“历史前卫艺术”[historicalavant－garde，指达达主义、早期超现实主义与苏俄前卫艺术]才是现代主义的反题。而后现代主义，某种意义上只是欧洲历史前卫艺术(以杜桑[Duchamp]为代表)的延续，某种意义上则是欧洲历史前卫艺术的一个搞笑的美国版(以沃霍尔为代表，参本书所述胡伊森精彩的分析)。因此，导源于对现代性的敏感意识的现代主义，其潜力远未穷尽，而它在遭遇历史前卫艺术与后现代主义的挑战后，反而显出了更顽强的生命力。这就是本书结论中所说的“无边的现代主义”的基本意思。 　　　　然而，正当后现代主义在它的原发地已经走向终结的时候，它在中国却获得了始料未及的繁衍契机。与某些论者不同，本书作者并没有简单地将中国式后现代主义归结为学术界与艺术界鹦鹉学舌的结果(所谓“话语的平移”)。后现代主义在中国的传播有着深层次的历史原因，也有着更为具体可感的现实动机。后现代主义的反基础主义、反总体性、反主体性、强调动态过程胜于静态结构，与中国前现代性思维是如此合拍，以至于人们稍加思索就不难从后现代主义当中辨别出中国保守主义者的弦外之音。而它所宣扬的后现代主义视觉美学：非线性几何、不对称、反崇高、散点透视乃至中国园林式“后现代空间”……也与中国前现代性美学如出一辙。不是偶然的是，西方鼓吹后现代主义建筑最起劲的查尔斯·詹克斯先生的太太就是一位研究中国园林的专家。而欧美某些后现代主义“建筑大师”到中国来兜了一圈后欣快地大叫“后现代建筑在中国”，也就不难理解。于是，贫困时代的灾难性混乱、粗野的地方性崇拜与不加克制的复活主义立刻被宣布为后现代性的前卫性。而近年所谓“经济起飞年代”的那些拙劣的伪现代建筑与陈词滥调的现代主义当然不加区分地被宣布为“现代主义的垃圾”。 　　 后现代主义在中国落脚的时候，正是80年代尚未分化的中国知识分子群体的“新启蒙”遭到重创的时候。这赋予了后现代主义在中国的传播以干载难逢的大好机会。由90年代初的北京大学出版的《走向后现代主义》开路，北大与中国社科院一路高歌走向“后现代主义”的文化出版事业大游行：《后现代主义文化研究》、《后现代主义文化与美学》、《后殖民文化批评》，直到蔚为大观的“知识分子图书馆”(似乎只有后现代主义分子才配称得上“知识分子”的称号)。显然，除了迎合文化保守主义的心态，后现代主义太切合新左派的胃口了。在中国的文化保守主义者与新左派眼里，难道还有比批判形而上学的恐怖主义、理性社会的大监狱、西方中心主义的险恶用心、自由民主的乌托邦、全球化的谎言，宣扬身份与差异、文化与价值相对主义的后现代主义更好的东西吗? 　　　　与保守主义者忽然从后现代主义中找到了中国前现代性的新的合法性一样，中国的后现代主义者则从西方后现代主义“没有底盘的游戏”(德里达)、“一切皆可”(邓托)、“快乐的虚无主义”(奥利瓦)以及“正经不起来”(苏姗·桑塔格[Susan Sontag])那里，发明了“政治波普”、“泼皮现实主义”、“新文人画”、“玩得就是心跳”、“一点正经没有”，以及各式各样假冒的观念艺术。但是，与保守主义的危险不同，中国式后现代主义的危险并不在于它成了与当下感性全然无关的形式玩物与装饰，而是走到了另一个极端；即不顾一切形式法则与视觉质量的纯粹的观念。西方“历史前卫艺术”的合理因素在于：他们的反形式[anti－form]与反艺术[anti－art]是建立在西方现代艺术史特别是经典现代主义的高度形式主义的正题之上的。这样，前卫艺术的反题才拥有了一定的合法性。而中国式后现代主义在没有任何语境的前提下，一下子走到了反形式的前卫艺术，因此它除了孤零零的个别事件之外，不可能产生真正的文化政治[cultural politics]效应。不仅如此，它的真正危险在于，它以貌似激进的观念掩盖了这样一个基本事实：即中国现代性的先天不健全；并以这种思想的短路形式扼杀了中国当代艺术的现代性诉求。 　　　 在本书即将完成之际，我读到了英国著名批评理论家伊格尔顿的如下一段话：“今天在北京大学设有一个后现代研究的机构，中国在进口减肥可乐的同时一起进口德里达。一种需要深入探讨的时间扭曲。殖民主义的进程有助于在好坏两方面剥夺第三世界社会的发达的现代性，现在这个进程让位于新殖民主义的进程，由于这个新的进程，那些部分地是前现代性的结构被吸入了西方后现代性的旋涡。这样，没有继承一种成熟的现代性的岳现代性日益戒为它们的命运，好像落伍造成了一种形式的早熟。一个进一步的矛盾是，在古老与先锋的痛苦张力中，在文化的领域里，再造了一种现代主义艺术的某些经典条件。”(伊格尔顿：《后现代主义的幻象》，第139页)中国是否已经具备了现代主义艺术的经典条件，本书暂且不论。这里能说的是，从意识到我们的参照系的情形——西方现代主义事业的未竟使命及其后现代主义的幻觉——的那一刻起，这种条件就已经在形成之中了。因为，意识的照亮之处，正是救赎的开始之时。本书作者并不自命为这一救赎的努力当中的一部分。我只能满足于在四处弥漫着的文化保守主义与后现代主义大雾中保持清醒的尝试，并且坚信，正如文化保守主义一后现代主义同盟曾经欢呼雀跃地宣布中国可以并且应当绕过现代性直接跃入岳现代性是一场白日梦一样，那种认为后现代主义乃是中国艺术的命运的说法也只不过是一纸谎言。曾几何时，人们是那么醉心于中国可以避开工业化、城市化与社会化的现代性命题直奔信息化、乡土化与社群化的“后工业社会”的美梦，然而，一个越来越被认可的事实却是：中国一向试图绕过去的工业化进程、市场法则、理性化管理、程序合理性、法治原则，乃至于统治的正当性基础，却原来是绕不过去的现代性的硬核!而我们在走向社会的现代化与文化的现代性过程中所遭遇的种种挫折，无不可以追溯到这样一个事实：即我们没有从思想意识到行为习惯上真正确立主体性——黑格尔认为的现代性的本质——的基础地位。回顾中国式后现代主义狂热对“主体性”的嘲笑与“解构”，难道还不让人感到啼笑皆非吗!事实上，文化的中断与意义的失落(我们在处理传统与现代性问题上的曲折与反复)、社会的未分化和并非建立在真正的个体主体性基础之上的社会的虚假团结，以及个性的匮乏，解释了以下社会现实：由于我们在处理传统与现代性的关系问题上的笨拙，以至于“创新”需要被当作一种政治口号由政府来加以提倡；由于我们并没有真正确立起一种自我选择、自我负责的现代性的自律道德的基础，以至于“诚信”居然成为一个“拥有五千年文化的文明礼仪之邦”在遭遇现代市场法则与新型人际关系时的最大问题；由于强大的儒家传统与20世纪极左派集体主义意识形态对个体主义的压抑，以至于“个性”的不健全始终成为中国各种社会现象最有解释力的终极原因：由于缺乏个性，整个社会才循环地陷于各种“群众运动”之中；由于没有个性，整个社会才经常承受着未分化(在某种意义上就是没有多元的价值体系及其相应的多元的生活方式)所带来的巨大压力。以至于，人们可以说，一个庞大的无边无际的来分化社会的海洋(特鄹是农村)，为顽固的文亿保守主义提供了源源不断的社会资源；雨一个尚来形成自我意识中心、自我价值定位与自我道德承担的“无中心的”[non－centered]个人。恰恰成了“去中心的”[de－centered]、啕醉迷狂的、“一切皆可的”和不负责任的后现代主义的最佳温床。 　　 本书出版之际，我感到更加有必要感谢徐岱、高力克、毛丹、孙周兴、刘翔诸位先生，他们把我从结束学生生涯不久后的那种心智懈怠与无所事事中挽救了出来。回顾近十年的学术道路，我所取得的每一次转机都与他们在浙大玉泉校区所营造的智性氛围有关。对老浙大的怀念已成为一种珍贵的人生体验。没有一种氛围，一个人什么也干不来。因为你不可能在毫无氛围的情况下凝聚起纷乱的思绪。 　　 在本书的写作过程中，我还有幸前往剑桥大学从事为期一年的访学研究。在此要特别感谢剑桥大学艺术史系主任Dr．Binsky，他的热情好客使我得以自由地使用他们丰富完备的系图书馆和幻灯资料室。而Dr．Alice Mahon的现代艺术史专家与三一学院Fellow的双重身份，不仅给予了我直接的专业指导，而且还让我领略了最古老学院的日常生活气氛。我在剑桥的东道主哲学系则使我第一次感受到了“剑桥名士”们的风采。Dr．Raymond Geuss令人惊叹的慷慨博达与逸情雅致，常常令人如沐春风、豁然开朗。他的个人背景(出身于美国、长期就学与就勃于德国)及其德国思想史的学术背景，让我在一个视哲学基本为数理逻辑的剑桥环境中找到了“知音”。本书的最后体例就是在与他的无数次讨论之后才确定下来的。 　　其后去欧陆的游历虽然短暂，但至少部分地实现了我从少年时代就开始编织的梦想。艺术在这里　　见证了天地人神四方际会、供奉与馈增的游戏(巴台农神庙)，见证了古典时代的英雄精神(万神殿)，见证了中古时期神明与圣明的在场(“欧洲大教堂”)，也见证了文艺复兴时期人性与神性的卓越平衡。置身于欧洲就是徜徉于艺术。置身于欧洲意味着要回答如下问题：艺术之为美的形式如何与艺术之为真理的在场以及艺术之为道德的进盼相互关联?[How an art as the beau tiful form is related to an art as the present of truth and the stageto morality?]置身于欧洲还意味要回答这样的问题：一种伟大的文明如何屹立于地表，以及在这种伟大的文明中，艺术能够扮演何种伟大的角色?欧洲是真理的声音战胜虚无主义的历史本身，是道德的力量战胜犬儒主义的历史本身，是艺术的激情战胜猥琐无聊的历史本身。而这一历史本身又是如此直观地凝固在欧洲的城市建筑、广场、雕塑以及各大博物馆中!我在欧洲的经历使我懂得，一种伟大的艺术如何可能，以及一种伟大的文明最终怎样结晶于伟大的艺术之中!这一信念已经深深地沉淀于本书的血脉中了。 　　 在我感到有必要感谢的人当中，范景中先生的位置绝对位于前列。我深受其思想影响的人当中至少有两人(波普尔与贡布里希)与他的出色工作有关。因此，当范先生询问我可否将此书交给中国美院出版社出版时，我毫不犹豫地答应了。 　　 对写书的人来说，没有比遇到一位好编辑更幸运的事了。周书田女士热情而又高度负责的态度使本书得以最快的速度与读者见面。她不厌其烦地编选与调整大量插图，也使本书严肃的理论面孔变得可忍受了。 　　 最后，但不是最不重要的，我要感谢一直陪伴我左右的两位女士。她们对我的爱怜与纵容是我生活中的永恒慰藉。刚到欧洲时的单身生活使我更加刻骨铭心地感受到了她们在我生命中的位置。她俩的到来使我的生活得以恢复，并着手此书的写作，因此，把它献给她们，理所当然。　　

海报设计

作者：  朱琪颖编著

出版社：中国建筑工业出版社,2009

简介：《海报设计》内容简介：中国艺术设计教育进人了繁荣发展的关键时期，以发展的角度来看，艺术设计教育的早期知识构建及专业知识的传播功不可没。然而，传统的教学方法观念落后，内容陈旧，难以满足高度发展的社会需求。近年来许多院校及时调整了课程设置，完善了课程体系，在教学内容和教学方式上进行了大力改革，并出现了一些教学探索方面的教材和专著，这是一种非常好的现象。要知道艺术设计方面的教材在专业构建的早期可谓寥若晨星，之所以艺术设计专业没有“院编”教材的原因有多种，首先，不同的学校教学目标、办学层次不同；其次，艺术设计是与时俱进的专业，有不断更新补充内容以适应发展需求的特点；再次，艺术设计的创造性思维不同于理工学科，因为有着“艺术”的界定而使设计没有绝对的衡量标准。所以，长期以来艺术设计教育因校不同、因人而异，百家争鸣、百花齐放。 基于这些特点，也基于对设计教育现状的了解，规范性的教材难编写是显而易见的，无形之中对新编系列教材提出了较高的要求。 一个学校的办学思想是非常重要的，江南大学设计学院作为国内第一个明确以“设计”命名的学院，发展历经了50年，形成了自己独有的艺术设计教育理念，积累了科学的设计教育方法。依托设计学院近年所承担的国家级、省部级教学改革研究项目和国家级、省部级教学成果，以及省级“品牌”专业建设的成效，江南大学设计学院与中国建筑工业出版社共同策划并推出本套高等艺术院校视觉传达专业教材。教材以先进的教学理念指引，以前沿的意识更新知识的观念，解决目前艺术设计教育现实的难点。并运用创造性的突出实践、强调科学的设计方法，提出独创的设计训练；倡导专题化的教学，启发同学的创造力、想象力、思考力，与传统意义层面的教学相比较，在思考方式和设计方法上有了相对科学的提高。 本套教材召集了多位江南大学设计学院颇具人气的优秀青年教师，他们卓越创新的精神，丰富的教学经验，带给了这套教材全新的面貌。 教材建设是一个艰难辛苦的探索历程，书中的不足还恳请专家学者批评指正，也希望广大同学朋友通过学习与实践提出宝贵的意见。

Design diaries:creative process in graphic design

作者：  (英)吕西安娜·罗伯茨(Lucienne Roberts)，(英)丽贝卡·赖特(Rebecca Wright)编著;吕迅，李文韦译

出版社：中国青年出版社,2011

简介：本书是一本艺术设计类图书，本书深入考察了11个优秀的设计案例。具体说来，本书有如下几个特点：第一，本书的案例很具时效性，让具有高度专业性的读者了解国际设计领域的最新案例与设计发展的最新趋势。第二，本书案例精简而详实，11个案例的阐述都使用统一的体例，虽然只有11个案例，但是每个案例都被分为概要、研究、进展等几个部分，充分展现了设计项目中不为人所知的知识，让读者深刻了解设计项目在推进的过程中遇到的种种阻力、障碍以及最终的解决方案。第三，本书沿袭原书的图文内容与版式设计，条理清楚、版式新颖。第四，本书选取的案例并不只以西方现代设计为中心，其中不乏在阿拉伯国家和非洲开展的设计项目，甚至还囊括了优秀女性设计师的案例，这些具有强烈反差的设计项目和设计师，正好体现出本书不想确定一种设计评判标准的价值取向。第五，本书末尾还专门在附注部分分析总结了所有的案例，给读者提供了丰富的设计经验，使读者在从事设计项目的过程中避免出现类似的问题。

创新图案设计

作者：  吴可玲著

出版社：江西美术出版社,2006

简介：　　本书是高等艺术院校设计专业教学大参考之一，旨在培养学生对图案形态和形式的综合理解和运用能力。通过在自然界和现实生活中挖掘的基本元素，从多维空间角度，建构客观事物的形态、结构和色彩的关系，捕捉图案元素本质的变化规律，并结合一定的工艺和加工特点，使图案设计从构想计划上升到设计实现的高度，并整体性地探讨传统思想与现代设计理念对人们环境、造物和文化艺术审美的协调关系，探讨图案真正的设计理念，应当始终围绕“设计——生活”之间的关系。在这种观念的指导下，追求创新形式的突破，发挥图案在造型领域和生活环境中的文化作用，丰富人们的生活空间和提升环境的艺术品质。 　　

Genius Moves-100 Icons of Graphic Design

作者：  (美)斯蒂文·赫勒(Steven Heller)，(美)米尔克·伊里奇(Mirko Ilic)编著;常宁生，孟春艳翻译

出版社：安徽美术出版社,2003

简介：《20世纪设计思潮的演变——世界著名设计图例》呈现了一个天才创造性世纪的设计历史，本书用图解的方式阐释了最佳观念的永恒性，每一个伟大的观念都会激发后来的图形设计。 从20世纪每一年中选取的共100个出色的图例，与影响它们创意和由它们发展而来的设计作品并列呈现出来。你将会以同样的方式找到灵感和受到激励，同时了解到伟大的作品是不朽的，同样，伟大的设计师也是永存的。 图形设计艺术处在不断变化的状态中。它戏剧性地演变和发展着，不断地重新解释过去，以创造未来。这部出色的收藏展示了20世纪最有影响的图形设计，并突出表现了这些重要作品之前和之后的联系。 本书按编年方式组织，所选图例包括20世纪著名的和匿名的的图形设计艺术家——从图卢兹-劳特累克到米尔顿·格拉泽，到艺术祭坛的作品。作者将每个图例都与过去和后来的相关设计图形做了视觉上的并置处理。作者斯蒂文·赫勒和米尔克·伊里奇通过对所选图形的风格、方法、影响的分析、评论，阐释了他们的图例选择。他们的共同努力使作品的原创性和现实效用达到了新的高度。 更多>>

Hong Kong new wave cinema

作者：  卓伯棠著

出版社：复旦大学出版社,2011

简介：　　 新浪潮导演绝大多数是从美国、英国读电影回来，不约而同地 　　在1976年、1977年进入香港各电视机构，经过两三年的锻炼之后又 　　纷纷投身电影工业，因为人数众多（约三十人），声势浩大，在香港电 　　影工业掀起一股巨浪。他们的作品富创意，有实验精神，紧扣社会的 　　脉搏；而且作品多元，对社会、政治议题有高度敏感，对本土风貌作 　　深度展示，带出个人成长的经验，对女性着墨描写，以及关注国家、 　　民族和海外华人命运等。不但作品内容丰富，且电影语言新颖、风格 　　独特。当时大众传播媒介称之为香港电影“新浪潮”。 　　 本论文结合“作者论”和“类型论”的方法，全面探讨新浪潮导 　　演的作品。换句话说，论文的内在核心是从美学角度去分析，在作品 　　内容上与主题上同时并进，探索新浪潮作品的叙事结构、场面调度与 　　风格，以及作品所呈现的导演人生观和世界观；此外，论文更分析在 　　六七十年代，电视工业如何在初期受助于电影工业，但经过十年迅速 　　的发展后，回过头来支援正走下坡路的电影工业，令它得以复苏，并 　　且走向蓬勃的道路。这种密切的互动相当独特，在华人地区的中国 　　台湾和大陆都没有发生过，这是在两岸三地中，香港最早出现新浪潮 　　的原因。 　　 论文亦讨论新浪潮出现前后香港社会的发展，如经济高速增长、 　　民主多元声音出现等。独立制片的兴起，代表了东南亚及欧美市场 　　需要香港电影，于是，新浪潮在期待中出现了。当然，由于“1997” 　　问题的浮现，部分人内心惶恐，此时“新艺城”的喜剧应运而生，迎 　　合了大众的逃避心理，喜剧于是主导了市场。1984年后，新浪潮开 　　始退潮，导演如徐克、许鞍华等进入主流电影工业行列，继续为香港 　　电影前途打拼。 　　 新浪潮的出现虽然只有五六年，但他们有新观念、有冲劲，重视 　　电影专业精神。他们的出现，在整体上提高了香港电影的素质，使香 　　港电影从70年代末到90年代初，有十五年兴旺的时期，这是以前所 　　没有的，更重要的是，新浪潮将香港带进国际，也为90年代香港影人 　　到好莱坞发展，打下了良好的基础。新浪潮对香港电影的影响极为 　　深远，不容忽视。 　　

Other criteria:confrontations with twentieth-century art

作者：  (美)列奥·施坦伯格(Leo Steingerg)著;沈语冰，刘凡，谷光曙译

出版社：江苏美术出版社,2011

简介：　　《另类准则》是美国当代最杰出的艺术史家和艺术批评家之一列奥·施坦伯格的艺术批评文集。藉着这部评论20世纪艺术的书，施坦伯格将艺术批评提升到了一个新的高度。他一生致力于研究罗丹、莫奈、毕加索、波洛克、贾斯伯·约翰斯及其他艺术家的作品，特别擅长将严谨的形式分析融入图像志的主题分析之中，目光敏锐，观察精确，为现代艺术的图像学研究，提供了卓越的范本。《另类准则》已成为20世纪艺术批评史上无可争议的经典。 　　 　　“这些论文构成了……当代艺术现实的一部分，而此书就其本身来说就是一个文化事件……我们时代精神中的一种力量。”——阿瑟·丹托（Arthur Danto）：《美学与艺术批评杂志》（Journal of Aesthetics and Art Criticism） 　　 　　“[这是]本年度最佳艺术类书籍，如果说还不是整整十年，或一个世纪的最佳艺术类书籍的话。……此卷的意义并不在于洞察力的质量——尽管质量非常之高，洞见也极其重要——而在于风格的丰富、精确与优雅……与列奥·施坦伯格的心灵相遇，是当代艺术批评所能提供的最富有启示意义的经验之一。”——阿尔弗雷德·弗兰肯史坦（Alfred Frankenstein）：《艺术新闻》（Art News） 　　 　　“人们通常并不把勇气这样的概念与学术工作联系在一起，但是没有比它更合适的词汇来形容列奥·施坦伯格作为一个艺术史家与艺术批评家的事业了。”——安德烈·海伊姆（Andre Hayum）：《伯灵顿杂志》（Burlington Magazine） 　　 　　“此书确证了我一个长期拥有的信念，即施坦伯格不仅是艺术批评家中最明晰和独立的头脑之一，也是最深刻的头脑之一。即使人们不同意他的观点，也不得不绝对尊敬他。”——罗伯特·马瑟韦尔（Robert Matherwell）　　

包装装潢设计

作者：  柳林, 王晔, 彭立编著

出版社：

简介：　　柳林，1965年生，现为湖北工学院艺术设计学院副教授，主要从事平面设计的教学与研究工作。在国内刊物上公开发表学术论文40余篇，完成省级重点科研项目二项。设计作品曾获全国大赛铜奖、优秀奖，并荣获省级金奖、铜奖、优秀奖10余项。 　　 主编有：《字体设计与创意》、《标志设计》。著有《民族化包装设计》。 　　 王晔，1971年生于武汉，2000年毕业于湖北美术学院环境艺术设计专业，获硕士学位，现为武汉大学新闻与传播学院包装设计系讲师，长期教授包装设计、平面设计、摄影艺术等专业课程，为多家公司设计主品包装，参编有《室内细部设计资料集》。 　　 　　本书作者结合多年的教学经验和设计实践，从包装设计概述，包装的基本概念，市场调查与构思定位，包装设计的基本元素，包装的结构设计，包装装潢设计形成，包装类别与形态，民族包装设计，包装设计与输出程序9个方面介绍包装装潢设计，同时，在最后附上了学生的设计作业。本书图文并茂，采用了大量国内外优秀的设计作品作例子，内容翔实、生动。作者注重对包装设计过程和创意进行探讨，强调设计理念在实际操作中的突出地位。 　　 本套教材的读者群，主要是高等学校设计专业的学生和从事高度工作的年轻设计师。 　　

extreme worlds

作者：  (美)蔡逸南(Francis Tsai)著;于军，白冰译

出版社：电子工业出版社,2011

简介：　　Francis Tsai所著的这本《动漫幻想(未来世界概念设计)》首先介绍基本概念?绘制和涂刷的工具、形状、透视画法、颜色、灵感和参照物及绘画艺术技巧，包括传统绘制和数字制作两个方面。之后，将进入分步骤详细解说的阶段，介绍的是如何能够比较轻松地给科幻艺术作品充分着色。本书的最后部分探讨太空剧的概念，也对每个单独的部分进行扩展，并阐明如何在抢眼的海报设计中创作出高度概括的、富有吸引力的故事情节。 　　Francis Tsai负责过古墓丽影、神秘岛、星际迷航等游戏概念设计，作为世界知名的概念设计大师， Francis想通过《动漫幻想(未来世界概念设计)》，用自己的概念设计经验让读者学会“未来幻想世界”绘画的奥秘，包括：绘制和涂刷的工具、形状、透视画法、颜色、灵感和参照物，以及绘画艺术技巧，并通过经典实例，例如外星人、机器人、宇宙飞船等，详细解释绘制形体、形状和颜色，鼓励读者从中创新。 　　无论您是经验丰富的概念设计师，还是刚刚入行的新手，您都能从《动漫幻想(未来世?概念设计)》中学到概念设计的技巧，以及大师的创意之源。　　

色彩构成

作者：  潘红莲主编

出版社：人民美术出版社,2010

简介：　　 本书在通过先进与科学的色彩构成教育模式，使学习者顺利达到专业 　　设计院校要求的色彩认识高度，并可灵活应用色彩于各专业设计实战之中 　　。本书特点：1.鼓励对一系列广泛的视觉结构进行探寻中挖掘和追求色彩 　　的寓意；2.突破既定法则，激励创新。3.每个概念每个练习部有相适应的 　　学生作品范例；4.在色彩系统理论的基础上，重点选择既实用又突出的实 　　践范例来加深认识体验。 　　 本书在以往《色彩构成》颜料调配的基础理论上，加入了现代电脑设 　　计色彩的概念与范例，使色彩的认识融入设计的发展，启迪视觉色彩的感 　　知，发掘视知觉的潜在力量，拓展色彩心理与设计选择过程的逻辑推演。 　　

Visual identity design

作者：  何方，高卓，上官嫚嫚编著

出版社：武汉大学出版社,2010

简介：《高等学校艺术设计规划教材?VI设计》在主要内容的阐述上，针对国内VI设计的教学现状，从理论的高度给现代VI设计以基本的界定，力图以系统学的概念来丰富其内涵。《高等学校艺术设计规划教材?VI设计》共分6个章节，具体内容包括企业形象系统概述；视觉识别系统的导入、买施及管理；视觉形象设计的新视域；VI设计实践等。

插图艺术

作者：  刘丰杰著

出版社：山西教育出版社,2008

简介：　　内容提要 　　以广大中学生和青年为读者对象的“美育丛书” 　　（国家“八五”规划重点图书），由美术、音乐舞蹈、 　　其他艺术三个系列共35本小册子组成。《插图艺术 　　欣赏》是美术系列之一，也是国内第一部集中赏析插 　　图艺术作品、普及与提高相结合的通俗性读物。 　　书籍插图源远流长，它顺应历史的发展应运而 　　生，又以造型艺术之长补语言艺术之短。自古以来书 　　籍“以图书并称，凡有书必有图”，“图文并茂”已成 　　为生活中的常用语和评价图书的标准。 　　《插图艺术欣赏》共分两大部分。第一部分，从 　　审美的高度详论细说插图艺术的历史演变与发展， 　　插图的艺术形态、属性，审美欣赏的要领。第二部分 　　用100个篇目，结合插图的文学背景，对古今中外名 　　著中200余幅插图作品，从思想内涵、艺术形式、技 　　艺手法、艺术特色、艺术地位等方面，进行了评介与 　　赏析。这些独立成章的篇目，特色明显，并配以各种 　　形式的插图原作，既有普及、通俗、可读、观赏的特 　　点，又有较高的品位。它既适于向广大读者普及插图 　　欣赏知识，引导欣赏插图作品，也是研究插图艺术创 　　作和插图理论十分有益的参考书。 　　本书集古今中外各种文学形式、各个时代、各个 　　画种、各种风格与流派的插图于一书，琳琅满目，美 　　不胜收。读者朋友们，在欣赏插图艺术的审美体验中 　　将感到赏心悦目，并导引您进入艺术美的境界。 　　　　

Analysis of advertising works

作者：  戎彦，王憬晶编著

出版社：浙江大学出版社,2008

简介：“自相矛盾”的故事发生在近两千年前的楚国；跨越了两千年的历史长河，这种叫卖宣传的方式已经发展到更高的境界，并且无孔不入地渗透进人们的生活。对于这种方式，现代有一个专门的名词，叫做“广告”。 从来没看过广告、对广告一无所知的人，他肯定不是一个现代社会的人。在信息高度拥挤、越来越趋于饱和的今天，广告是人们获取信息的主要手段之一。尽管人们厌烦广告、逃避广告，但是人们又离不开广告。联想有一句著名的广告语：“人类失去联想，世界将会怎样?”广告人则骄傲地将这则广告语篡改为：“人类失去广告，世界将会怎样?”虽然夸张，但也是现实的写照。

亨利·马蒂斯经典作品赏析

作者：  SUN I视觉设计编著

出版社：科学出版社,2012

简介：本书精选了野兽派代表人物马蒂斯许多的经典名作，编者结合浅显易懂的语段与高度清晰的图片来帮助为读者解析这些油画作品的色彩、线条以及结构，并在内容上以大量的真实故事作为背景，以时间作为叙述的线索，为广大读者介绍了这位色彩大师那些不为人知的情感故事，通过对作品深入地分析同时结合时代背景的描述，来有效地加强读者对马蒂斯的认识以及对其作品的理解能力。

The Conception of Animation

作者：  贾否，路盛章著

出版社：中国传媒大学出版社,2005

简介：Animate（动画）在英语词典中的解释是“赋予生命”的意思，从这个意义来讲它似乎具体有上帝的权威，然而这种权威不是别的，正是人类思维的能力及由思想支配的创造技能。这种技能使得本来没有生命的各种造型艺术符号动起来，并能够赋予其某种含义。 本《动画概论》一书力求能够站在这一高度上重新认识动画的不同层面与整体构架，比较系统地阐述动画的属性、形态、起源、发展、工艺系统、制作常识和学习途径等方面的内容。叙述与讲解的思路是：1．从属性方面阐述动画的性质鉴定标准；2．从形态方面解释动回的结构与组成系统；3．从历史方面概述动画的起源与发展；4．从生产流程方面陈述动画产生的工艺；5．从表层概念方面讲述动画的一些基本常识；6．从深层概念方面论述动画的学习与思维方法；7．从学术研究与交流方面概述理论体系与学科体系、列举经典作品、介绍世界主要动画节、并给出专业术语英汉对照表及参考文献等。

Films of ingmar Bergman

作者：  (美)杰西·卡林(Jesse Kalin)著;刘辉，向竹译

出版社：北京大学出版社,2010

简介：本书简介：伯格曼，20世纪最伟大的电影导演之一，拍摄的电影以思想深邃、富含哲理见长，经常表现一些存在主义主题，本书作者正是从这一角度出发，通过全面分析伯格曼的一些经典之作以及一些不为大众熟知的作品，深入解析伯格曼电影的意义，从中我们既可以看到伯格曼众多电影作品之间的丰富联系，也能窥见这位银幕哲学家的思想底蕴和精神高度。杰西·卡林（Jesse Kalin）是哥伦比亚大学瓦萨学院的人文和哲学教授，也是《哲学与文学》杂志的副主编，同时也为《伦理学》、《美国哲学季刊》、《哲学研究》撰写文章。

作者：  

出版社：

简介：    本套教材由国际权威动漫人士策划,结合东、西方经典动画的创作原则、制作规律及表现技巧,全方位解析动画制作过程,是国内外顶尖动画设计师几十年制作经验和表现技巧的系统总结。     动画前期是动画影片“成功”与否的关键。能否用情节紧紧抓住观众,能否呈现给观众精美的画面,能否将动画影片的“高度假定性”完美展现,能否使动画影片“大获全胜”赚取高额利润,这些都是动画前期工作者需要考虑的问题。     本书由赵莹编著,开创性地将剧本编创和分镜头没汁的方法结合在一起讲述。全书共分为十三个章节,开篇就动画片的生产流程进行阐述,明晰动画前期的具体工作内容。然后按照剧本的创作流程、剧本的素材收集与主题表现、动画角色的塑造、分镜的画面设计、镜头的组接等循序渐进讲解动画前期的创作手法。最后还附带讲解了如何用Flash软件制作电子分镜头的方法。     本书很好地给读者呈现了动画影片创作过程中各个环节相辅栩成的创作方法。使读者能够轻松掌握行业工作秘籍,可作为动画、广告及多媒体专业学生的教材,还可作为数字娱乐、动漫游戏前朗开发工作人员的参考用书,更值得广大动漫爱好者收藏。

Layout

作者：  蔡顺兴编著

出版社：东南大学出版社,2006

简介：中国的艺术设计与设计教育进入新世纪后,正迅速地跨越了从工艺美术形态到艺术设计形态的转型期,而信息化、数字化设计的发展也已趋成熟;同时设计教育得到更为快速的发展,学校及学科数量急剧膨胀,招生规模大大增长,师资队伍日益庞大,学科建设也加大力度。它们对设计教育的课程设置、课题设计与教材编写提出了新的要求,具备了新的条件。 目前艺术设计教材的编写、出版种类繁多,然而综观其特点,大都反映出高度程式化与类型化的倾向,呈示为概述某个设计门类的技术性条件,重复地描述已被证实正确的理论、法则、公式,显露出轻原理、重技法,轻基础、重应用,轻原创、重程式等现象,不能反映教育规律与课程方法论的指导,从而难以激发学生的学习热情与实验兴趣。本丛书改变了大多数设计教材以具体专业方向、行业门类、设计形态作为内容编排方式的普遍做法,消解了那种单纯的专业与设计的习惯角度,以教材的名义对艺术设计教育的教学结构与课题重新洗牌。 本丛书的起点,是培养人的专业素质,在"厚基础、宽口径"的原则下,对设计的原理与元素、结构与形式进行优化,对内容、语言、方法进行整合;进行跨专业方向的综合性要素提取与形式归纳,对艺术设计的整体形式要素进行优化;在基本规律与方法叙述的基础上扩展基础理论的范畴与关于形式的知识视野。 本丛书的建构方式,是以艺术设计的构成要素与发展形式作为基本线索,这一系谱包括视觉、形式、形态、空间、图形、字体、编排、色彩、材料、装饰、光影等。几乎所有类型的设计形态都是由这些要素与形式重构而成,

古希腊罗马艺术的崇高与优美

作者：  林佳莉著

出版社：北京大学出版社,2005

简介：　　真正意义的欧洲艺术应该是从古希腊开始的。希腊艺术起源的地理范围以爱琴海为中心，因此也被视为爱琴艺术的延续。雪莱曾在诗中吟道：“我们都是希腊人。”黑格尔也曾经说过：“一提到希腊这个名字，在有教养的欧洲人心中，尤其在我们德国人心中，自然会引起一种家园之感。”希腊是欧洲文明的发源地和摇篮，古代希腊人在科学、哲学、文学、艺术上都创造了辉煌的成就，她的光芒是如此的耀眼，以至后世人在回视时不能不受到极大的震撼。借用一位哲学家的话，希腊艺术是“在惊诧中开始的。” 　　 享有自由的希腊人的思想方式因此而与众不同，希罗多德曾经说过：“自由乃是雅典城邦繁荣强盛的唯一源泉，而在此以前，它由于被迫承认独裁政权，则无力与临近的城邦匹敌。”正是这个原因，希腊艺术表现上呈现出充满健康、自然、乐观、优雅等的特质，而有别于近东艺术那种超自然的、宗教的神秘感。同时近东艺术中，作者只是奉命行事去完成，作品中没有个人的创意也不留名，而在希腊时代，个人地位提升，艺术家们可以在自己的作品雕刻名字，甚至可以把自己的雕像与神像并列摆放，这是希腊人尊重艺术的表现。 　　 希腊人在民主自由和激烈竞争的环境中不仅发现、孕育和创造了美，而且也创造了神，在希腊人的心目中最完美的就是神，因此希腊人尊重人，把人提高到神的高度加以肯定，神和人是同形同性的。希腊人重视人类个体的存在和价值，在艺术作品中表现无遗，藉由作品歌颂人类肉体、精神之美，将人类形象理想化，并尽量制作得跟神像一样完美，成为希腊艺术的一大特色。希腊人也崇拜神，认为神的性格和凡人一样，因此将诸神人格化，创造出丘比特、维纳斯、阿波罗等许多著名的神话故事，希腊神话是希腊艺术的土壤，包含着人们对自然奥秘的理性思索，孕育着历史和哲学观念的萌芽，同时对后来的西方艺术产生深远的影响。希腊人把强健的身体看成是一切善与美的本原，而把希腊神话视为艺术的精神本源，正如马克思所说的：“希腊神话不仅是希腊艺术的武库，而且是它的土壤”。希腊艺术主要成就表现在神与人合一的雕刻和神庙建筑上。希腊艺术的主要特点是无所不包的和谐与规律性，还有庄严与静穆。它的主要标志是人体美，希腊人为人类贡献了高不可及、经久不衰的艺术典范之作。“希腊的艺术作品，以深刻的现实意义，以和谐的完整性，以英雄气概的热爱生活的精神，以对人的崇高品质的尊重而震惊了以后的世代”。 　　 [