Amadeus Mozart

作者：  周辉荣编著

出版社：人民音乐出版社:三联书店,2005

简介：沃尔夫冈·阿玛台乌斯·莫扎特，是维也纳古典乐派的代表人物。1756年1月27日生于萨尔茨堡一位宫廷乐师的家庭，1791年12月5日卒于维也纳。莫扎特三岁起显露音乐才能，四岁跟随父亲学习钢琴，五岁作曲，六岁又随父亲学小提琴，八岁创作了一批奏鸣曲和交响曲，十一岁写了第一首歌剧。他仅仅活了三十六岁。繁重的创作、演出和贫困的生活损害了他的健康，使他过早地离开人世，他的音乐作品成为世界音乐宝库的珍贵遗产。 1762年，六岁的莫扎特在父亲的带领下到慕尼黑、维也纳、普雷斯堡作了一次尝试性的巡回演出，获得成功。1763年6月-1773年3月，他们先后到德国、法国、英国、荷兰、意大利等国作为期十年的旅行演出，获得成功。这些旅行演出对莫扎特的艺术发展产生了积极影响。他有机会接触到欧洲当时最先进的音乐艺术--意大利歌剧、法国歌剧、德国的器乐，这使他以后能成为他那个时代在创作上风格最广泛的一位作曲家。 自1774年起，他的创作开始进入成熟时期。1777年在他又一次旅行演出时，在和社会各阶层广泛的接触中，特别是与曼亥姆市民艺术家们平等而融洽的交往中，莫扎特得到了远非传统观念所能给予他的启示和激励。这不仅是艺术鉴赏力的提高，而首先是对不合理的封建制度的深切体会。他愈加认识到，一个人的价值不是由出身而是由才能与道德所决定。这时已经成人的莫扎特，对自己的奴仆地位感到不满。为了争取人身与创作自由，1781年，他彻底地同雇佣他的大主教决裂，毅然辞职。成为奥地利历史上第一个有勇气和决心反抗宫廷和教会、维护个人尊严的自由作曲家。同年，他到了维也纳，并写出了著名的歌剧《后宫诱逃》。 1782年7月首演，获得成功。1782年，在没有征得父亲同意的情况下他同一位曼亥姆音乐家的女儿康坦丝·韦伯结了婚。此间，莫扎特和当时正在维也纳的海顿结下了深厚的友谊，他向海顿学习四重奏和交响曲的创作经验。自从他走上自由作曲家道路到他逝世的十年间，是莫扎特一生最重要的创作时期。这期间的作品，无论是歌剧还是交响曲，都展现出新的风貌。这些作品反映了处于上升阶段的资产阶级所具有的坚定、乐观的阶级意识，表现了维也纳进步知识分子典型的思想感情。然而，作为第一个力图挣脱束缚、维护自己尊严的艺术家，他在享受“自由”乐趣的同时，也对“自由”的艰辛有了更实际的体验。莫扎特在音乐里开始体现他的悲伤、愤懑、甚至抗议，同时仍然对美好的未来抱着天真、诚挚的向往，一打开美丽的外壳，就迸射出如火的激情。 音乐史书上称莫扎特为稀世之才，他英年早逝，却留下了那么丰富的作品。他的创作几乎涉及了音乐的所有领域，但他最重要的成就当推歌剧。他继承格鲁克歌剧改革的理想，而且更进了一步。与格鲁克不同的是，莫扎特主张“诗必服从音乐”。他的歌剧具有强烈的音乐感染力，旋律非常优美、流畅自然而深情，宣叙调也富于歌唱性。不同类型的音乐，将各种人物形象、性格塑造得鲜明而生动。重唱形式，被莫扎特作为安排戏剧性冲突和高潮的重要手段。序曲简练、个性化，在音乐的性质上与全剧有了更多的内在联系。这些重要的探索，使莫扎特在德国歌剧艺术的开拓史上立下了不朽业绩。其中以《费加罗的婚礼》、《唐璜》和《魔笛》最为杰出。 交响乐也是莫扎特创作中的重要部分。他最有代表性的交响曲是他最后的三部，即降E大调、g小调和C大调交响曲。其中《降E大调第三十九交响曲》明朗愉快、充满诗意；《g小调第四十交响曲》富有戏剧性，有海顿式的乐观主义情绪，但在技法上又完全不同于海顿，被称为莫扎特的“英雄”交响曲；《C大调第四十一交响曲》（通常被称为《朱彼特》）宏伟豪迈、东观向上，预示了贝多芬的英雄性的交响曲的出现。莫扎特的交响曲（尤其是最后三首），是贝多芬之前的全部交响曲创作的最高成就。他的突出贡献在于各乐章之间的主题之间的对比性。 莫扎特一生中最后的两年是经济最困难的时期，他曾说道：“我的舌头已经尝到了死的滋味，我的创作还是乐观的。”1791年12月5日这位伟大而优雅的天才在维也纳的贫民窟里离开了这个让他多灾多难的世界。 当时妻子正患重病，家里没有一个零用钱，三十五岁的莫扎特就被埋葬在穷人的无名公墓里，没有一个亲属给他送葬，荒草隐蔽，雨露冲洗，让今天无数对他崇敬的后人欲祭无处。他为未能完成《安魂曲》而抱憾终生，但如今全世界都在赞美他的天才，他的灵魂真正可以安息了。 总的来说，莫扎特的创作成就遍及各个领域。它们反映了十八世纪末，处在被压迫地位的德奥知识分子摆脱封建专制主义的羁绊，对美好社会和光明、正义、人的尊严的追求。他的音乐风格具有诚挚、细腻、通俗、优雅、轻灵、流丽的特征，大都充满了乐观主义的情绪，反映了上升时期的德奥资产阶级向上的精神状态，在维也纳后期的创作中，也出现了悲剧性、戏剧性的风格，对社会矛盾的反映更趋深刻。

Introduction to Chinese flower-bird painting

作者：  姚舜熙编著

出版社：高等教育出版社,2007

简介：中国花鸟画学是中国画专业中的一个重要组成部分。本书以宏大而严谨的结构，系统论述了花鸟画学科的发生、发展，以及其内在性质、特征，分析了各个时期经典绘画作品的内涵与创作过程。内容上既有对历史的传承又有对现当代的把握和思考。通过引入丰富的中国古代画论、画史、绘画技法以及考古学资料，增加了行文深入浅出的效果，从而避免了论述中单纯抽象概念的枯涩。适于研究生、本科生和广大美术爱好者阅读使用。书后配有经典花鸟画作品赏析光盘，光盘以年代为线索，对不同时期的花鸟画特点、代表画家、代表作品进行简要分析。其中部分作品为遗失海外的稀世之作，尤为珍贵。本教材被评为普通高等教育“十一五”国家级规划教材。

Foundations of animation art

作者：  冯文，孙立军编著

出版社：海洋出版社,2007

简介：　　本书是动画专业的基础课程教材，是每一位动画专业的学生首次“认 　　识”动画的途径，由6章和2个附录构成。 　　 本书以教学大纲为基础，结合数年教学经验，将课堂上学生常提问的 　　内容加强重点分析与解释，编写思路从三个方面出发：1.动画是什么：介 　　绍动画的定义、动画的本质与特点，并重点介绍世界动画史上重要的里程 　　碑。2.动画有什么：通过不同的分类方法，进入五彩缤纷的动画世界，加 　　强对动画形式的认知，并从历史发展、文化背景的角度介绍世界各国多元 　　化的动画风格与流派。3.动画做什么：介绍动画制作流程、团队职责与分 　　工、制作工序，以及各环节需要注意的事项。附录1是本书各章的测试题， 　　附录2是动画常用专用术语中英文对照表。 　　 本书为即讲、即看、即学的全新教学模式，内容非常丰富、由浅入深 　　、通俗易懂、语言简洁流畅，配以大量珍贵的画面，配套光盘中有14类经 　　典动画样片片段，活脱脱勾勒出一幅世界动画发展历程的宏伟画卷，使读 　　者情不自禁地对动画先辈们怀有崇高的敬意，大大激发学习和了解动画的 　　兴趣和热情。书中分析和借鉴各国成功的动画经验和失败的教训，对启迪 　　智慧、大胆创新大有益处。

Art Criticism in the 20th Century

作者：  沈语冰著

出版社：中国美术学院出版社,2003

简介：　　理论界流行着这样的见解：20世纪乃“批评的世纪”。单从一波接一波风起云涌的批评理论[critical theories]而言，这种说法似乎并不夸张。从上世纪初的英美新批评、俄国形式主义、精神分析学派，到上世纪中叶的结构主义、新结构主义、女权主义、新马克思主义，再到世纪末的新历史主义与后殖民文化批评，批评理论在20世纪的人文学科中确乎风光无限。即就视觉艺术批评来说，与上个世纪潮流迭起的艺术运动一样，艺术批评同样充满了精彩纷呈的景观：阿波利奈尔[Apollinaire]、罗杰·弗莱[Roger Fry]、本雅明[Walter Benjamin]、赫伯特·里德[Herbe rt Read]、克莱门特·格林伯格[ClemenlGreenberg]、阿尔法雷德·巴尔[Alfred Barr]、哈罗德·罗森伯格[Harold Rosenberg]、约翰·伯格[John Berger]、波普艺术批评家群体、查尔斯·詹克斯[Charles Jencks]、奥利瓦EOliwa]、阿瑟·邓托[Arthur Danto]、汉斯·贝尔廷[Hans Belting]、罗莎琳·克劳斯[Rosalind Krauss]、彼得·贝格尔[Peter Burger]、加布利克[Suzi Gablik]、胡伊森[Huyssen]、T．J．克拉克[T．J．Clark]、麦克尔·弗莱德[Michael Fried]、西尔盖·吉博[Serge Guibaut]、唐纳德·库斯比特[Danald Kusbit]、希尔顿·克莱默[Hilton Kramer]、斯蒂芬·莫拉夫斯基[Stefan Morawski]以及，或许是上世纪最伟大的批评家泰奥多·阿多诺[Theodor Adorno]。 　　　　然而，这些批评家及其理论在中国的命运却大不相同。当国内支学批评界对上世纪的各种文学批评理论如数家珍的时候，上述艺术批评家当中的许多人在国内艺术批评界甚至闻所未闻。艺术史向来被认为是本国史学中最弱的学科之一，而艺术批评理论的匮乏无疑加剧了它的不堪。上世纪最著名的艺术批评史家文丘利[Venturi]曾经断言：一切艺术史都是批评史，因为艺术史中对作品的描述、解释与评价无不涉及艺术批评，或者不妨说就是批评的任务。20世纪下半叶对西方艺术史的不满程度，可以从欧美各国质疑艺术史的方法论基础的出版物的持续升温这一事实中见出。可以这样说，批评理论的迅速发展已经改变了艺才史的方向。相应地，它的缺失也就成了国内艺术史学科的重灾区。 　　 批评家作为现代艺术潮流的孵化者、报导者、仲裁者甚至制造者，早已被公认为当代艺术动力机制中的关键。试想一下这些批评家在催化与帮助人们理解那些艺术运动中的角色：弗莱之于后印象派、阿波利奈尔之于立体派、格林伯格之于抽象表现主义。也许，我们可以援引美国艺术批评家库斯比特的观点作为我们对艺术批评的一般性质的初步认知。他认为，艺术批评家的角色经常是悖谬的。因为当艺术品还很新鲜和怪异时，他就率先，常常是最鲜活地做出反应，并且初步向我们解释它的意义。然而，他的反应又常常不很全面，因为这样的艺术品还没有被广泛地体验过：作品尚未有一个历史，一个据此可以解释“文本”的语境。当批评家将艺术品当作一个当下产品来遭遇时，它还缺乏历史“负载”。事实上，批评家的部分工作就是要在历史的法庭上赢得胜诉。这就是为什么，正如波德莱尔所说，批评家经常是一个对艺术品“充满激情和党派性的观察家”，而不是对其价值做出无翻害的判断的裁判员的原因。正因为它的当代性，他扮演着鼓动家的角色，只能从作品本身的角度来处理整个案子。对敏感的批评家来说，作品始终让他感到惊异，而他则始终对它保持热度。他会让未来的历史家们去处理诸如解剖艺术品——到那时，它通常已被假定有一个公认的意义一一之类的事情。 　　　　然而，批评家当下的观点常常成为有关该作品的本质特征的基本评价。批评家的反应，如果说不是所有未来解释的范型，至少是所有未来解释的条件。他的关注是作品进入历史的门票。现代批评家权力的标志，就是他对新艺术的命名。比如，路易斯·沃塞尔[LouisVauxcelles]的标签“野兽派”和“立体派”就曾大大地影响了人们对这些风格的理解。通过命名，这些艺术品对未来的人们来说就被赋予了某种本质特征。而且，只不过以“符号圈地运动”[Semioticenclave]——借用乌贝托·埃科[Unberto Eco]的术语一一作为开端的理解，成了话语构型的一整套语言，并且开创了各种观点的全部氛围。说白了，其责任是重大的。格林伯格有一回曾写道，批判性地趋近艺术品的最佳时机是当它的新颖性已经逝去而它自身却尚未成为历史之时。然而，正是在这一时刻，艺术品的阐释最是未曾得到解决，最是易受攻击的时候；也是在这样的时刻，批评家以即席命名的形式所作的当机立断，能够一劳永逸地封存它的命运。因此，正如奥斯卡·王尔德[Oscar Wilde]在《作为艺术家的批评家》[Critics as Artists]当中所说的那样，批评对艺术至关重要；批评把握、保存、培育、提升艺术。 　　　　由于对批评的效验估计不足，也由于对欧美上百年的现代艺术批评缺乏起码的参照，国内艺术批评多少尚处于黑暗中摸索阶段。最近10年来，虽有不少西方当代艺术材料被介绍进来，但是，令人遗憾的是，甚至介绍者本人对这些材料也不甚了了(国内乱轰轰的后现代主义理论研究即是明证)，或者以一种绕口令般的伶牙利齿在美术界捣浆糊，使本来严肃的学术工作往往成为一场混仗。于是，甚至出现了——据说流行于美术学院——“西方艺术没有什么，他们要等到塞尚以后才有文人画”之类的荒谬绝伦的观点。如果说本书有什么主题的话，那么其中之一肯定是对这种观点的批评。正当我们奋力抵抗所谓的“西方中心主义”的时候，曾几何时，中国中心主义早已偷偷地从后门溜回来了。事实上，它又何曾从我们泱泱大国五千年文明的“中国”血液中离开过?将艺术界(包括艺术教育界)观念的混淆单纯地归结为缺乏真正意义上的艺术批评(因为批评的原义之一就是“辨析”，亦即使观念尽可能清晰地得到表达)，可能失之简单。但是，对西方艺术批评的漠视与无知，已经让我们的学生吃足了苦头。 　　　　后果之一便是今日中国艺术走向了两个——至少在我看来——毫无希望的极端。在一极，艺术成了一种单纯的笔墨游戏与自娱自乐，一群与当下感性毫不相关的文人雅玩或匠人的玩意见。这类所谓的画家像龟缩在洞穴中的爬行类动物，固执而有耐心地蛰伏在他们的弹丸之地，他们坚固的硬壳足以抵挡任何来自外界的风雨的骚扰，社会的转型、生活的演化、感受性的变迁、审美观念的变化，在他们看来都是毫无意义的东西，或者干脆是不存在的。其理论依据据说来自丹尼尔·贝尔[Daniel Bell]的文化矛盾学说，一种认为在经济一技术、政治一社会与审美一文化之间有着不同步的结构的观点。问题在于，在贝尔那里只是一种“事实”[fact]的描述(还是相互“矛盾”的事实)，到了中国的文化保守主义者那里却成了一种可以遵照无误的“规范”[norm]。另一种理论据说是波普尔[Karl Popper]的“问题情境”，学说与贡布里希[E．Gombrich]的“图式理论”，一利认为艺术史的风格是艺术家在一定的情境中解决艺术问题的结果的思想。在这儿，波普尔的多样性的“问题情境”被许多人还原为单纯的“形式问题”，而在贡布里希那里是如此丰富而多层次的“趣味逻辑”则被简化为纯粹的“程式与匹配”的“形式课题”(好像贡布里希从来没有关心过趣味的变化似的)。 　　 文化保守主义者的另一个理由据说来自“对20世纪中国艺术史逻辑的观照”。在他们的观照中，20世纪的所谓“三大艺术思潮”，即主张水墨画西化的徐悲鸿与主张中西融合的林风眠都或多或少地失败了，唯独主张“拉开中西绘画距离、各自迈向各自高峰”的潘天寿取得了伟大的成功，并与吴昌硕、黄宾虹、齐白石一道，成为20世纪中国艺术史上最伟岸的大师。本书作者无意否定上述诸人的成就，对诸大师之间(包括徐、林在内)的排队问题也丝毫不感兴趣。我想指出的只是这样一个从未或很少处在人们反思范围中的事实：即20世纪30至40年代的中国现代艺术(特别是在上海)是如何在上世纪中叶的政治运动与保守主义分子的群起而攻之之下渐渐消亡的。所谓“三大思潮”，不管是西化派、融合派还是距离派，在我看来，只是文化保守主义阵营内部的争吵。而20世纪中国艺术史真正的三大思潮中，只有文化保守主义获得了空前成功，来自苏联的社会主义现实主义”过去在国内就没有得到过心悦诚服的承认，如今则早已成为新左派批评家反刍的草料，而现代主义的罂粟却像昙花一样烟消云散。但是，它顽固的毒素在被压抑了整整30年以后，终于在80年代中期悄悄绽放。 　　 第二个极端——在我看来是一个更阴险也是更恶毒的极端——就是在90年代以后以发烧似的热度迅速传播的流行性病毒：后现代主义。正如在欧美，后现代主义是无法挑战现存资本主义的情况下左派激进冲动的一种替代性选择(特别参见法国少壮派理论家费里与雷诺[LucFerry and Alain Renaut]对后现代老大师们的反击之作《60年代的法国哲学》[French Philosophy of the Sixties]，以及伊格尔顿[Eagleton]的《后现代主义的幻象》[The Illusions of Postmodernism])，中国式后现代主义的盛行也是80年代末中国激进知识分子新启蒙运动受挫的结果，从此，后现代主义立刻成为文化保守主义与新左派的最佳救命稻草，并加速了文化保守主义与新左派在反对现代主义这一点上的同盟，再次完成了对80年代中国现代主义的扼杀(情形与40年代末有着惊人的相似)。 　　　　后现代主义是兴起于西方60年代，在70年代达到猖獗的哲学、社会文化与艺术思潮。80年代初，主要由于哈贝马斯[Habermas]的分水岭之作《现代性：一项未完成的方案》[Modernity：An UnfinishedProject]的宣读，西方思想界开始了对后现代主义的强大的批判运动。80与90年代西方人文学科与社会科学的一个主题，可以被归结为现代主义／后现代主义之争。这在思想界表现在伽达默尔／德里达[Gadamer／Derrida]之争、哈贝马斯／福柯[Habermas／Foucault]之争这样的大师级理论交锋中，表现在法国新生代思想家费里与雷诺等对前此20年中拉康[Lacon]、福柯、德里达、布尔迪厄[Bourdieu]、博德利亚尔[Baudrillard]、德勒兹[Deleuxe]与利奥塔[Lyotard]的压倒性后现代思潮的直接对抗上，体现在德国中生代思想家魏尔默[A．Wellmer]、霍内特[A．Honneth]与法兰克[M．Frank]对法国思想的全面挑战中。在批评界体现在希尔顿·克莱默对后现代主义“庸人的报复”(参同名批评文集The Revenge of the Philistines)所作的反击上，体现在哈贝马斯与魏尔默对詹克斯的“后现代主义建筑理论”所作的驳正上，也体现在艺术批评界持久的“沃霍尔[wlarh01]还是博伊斯[Beuys]”的争论中。在艺术运动中，它不仅体现在德国“新表现主义”对美国波普艺术的宣战中，体现在98－99年美国现代艺术博物馆所举办的波洛克EPollock]大型回顾展中(并比较80年代批评波洛克及其高度现代主义的著名论文集《波洛克之后》[Pollocck andAfte门，以及99年出版的“批判之批判”论文集《波洛克：新的取向》[Pollock：New Approaches])，还体现在人们对晚期德朗[Derain]、巴尔蒂斯[Balthus]与莫兰迪[Morandi]的具象绘画的那种持久高涨的热情中。 　　　　90年代以来，几个特殊的案例事实上已经宣判了作为一种持续的哲学、思想文化与艺术思潮的后现代主义的死亡，尽管它的某些假设还将产生持久的影响。这也是拙著《透支的想象：现代性哲学引论》(学林出版社2003年版)的结论之一。在这些案例中，“海德格尔[Heidegger]事件”、“保罗·德·曼[Paul de Man]事件”与“索卡尔[Sokal]事件”具备足够的典型性。据说海德格尔是20世纪最具原创性的思想家，只有维特根斯坦EWittgenstein]一人堪与媲美。但是，海氏将希腊的存在本体论、中世纪的神学本体论与现代的逻辑本体论，一视同仁地概念化为“存在一神一逻辑学”[Onto-Theo-Logik]是一种典型的削平论。相应地，他将苏格拉底以后的整个西方历史一律视为“远离神的黑暗”，并于20世纪来到“黑夜之夜将达夜半”的最黑暗时期，也是对西方历史的过分简化的图解(显然是尼采的反启蒙思想“人类历史不是一部进步史，而是一部退化史”的翻版)。由于海德格尔戴上了这样一副哲学墨镜，他就不可能对20世纪现实中的色彩与层次做出区分，从而将国家社会主义、极权主义与自由民主制一律视为“现代性的产物”。在他看来，德国纳粹主义、苏联共产主义与美国自由主义，统统都是“同一回事”。这在某种程度上解释了他在德国纳粹运动中以及在其后的“非纳粹化”运动中的所作所为。“海德格尔事件”的复杂之处固然不容许人们在一个思想家的思想与他的在世行动中做简单的彼此类推，亦即，说海德格尔的思想直接导致了他的纳粹行为，或者说海德格尔一度的行为证明了他的思想是纳粹主义的，这都是不明智的。但是，如果说海德格尔的思想，再宽泛一点讲，德国20-30年代右翼知识分子(海德格尔、容格尔[Ernst Junger]、舍勒尔[Max Scheler]、卡尔·施米特[Karl SChmitt]，“汉语学界”右翼知识分子最为心仪的“四尔”)叫嚣着大地、鲜血、战争、种族的非理性主义思潮，与纳粹意识形态之间没有一点关联，那也委实太天真了! 　　 上世纪60年代，基本上由尼采与海德格尔培育出来的法国后结构主义思潮，漂洋过海去到美国后，在美国获得了更为露骨的后现代主义动机。正当美国陷于越战的泥潭而遭致自由民主价值的最大的合法性危机之时，由德里达打头，所谓的“耶鲁四人帮”为后盾的美国后现代主义思潮迅速地在全球漫延开来。其中最著名者，叫保罗·德·曼。此人极其聪明，文笔流畅，思路清晰。其基本观点是，一切文本都是作者袒露与隐瞒的运作，记忆与遗忘的策略。一切阅读都是误读。而写作与阅读则构成作者与读者之间一种揭露与掩盖、设访与投射的游戏。80年代末，从他年轻时期的某些档案材料中，人们发现了他原来是纳粹时期一个积极的反犹主义者。于是，美国大学特别是英文系里那些天真的解构主义信奉者们，突然惊讶地意识到了某个事实：解构主义与罪恶意识的压抑(遗忘)之间的不经意流露的关联。 　　　　90年代初，美国的“索卡尔事件”使后现代主义的最后一点美丽幻象也破灭了。索卡尔是一位美国物理学家，他花费了差不多整整两年的时间，处心积虑地炮制了一篇题为《超越界线：走向量子引力的超形式的解释学》[Transgressing the Boundaries．"Toward a Transformative Hermeneutics of Quantum Gravity]的诈文，其中充满了常识性科学错误同时却充斥了后现代主义者最喜爱的奇思妙想与时髦术语，并把它投给了美国最著名的后现代主义刊物之一《社会文本》[SocialContext](中国社会科学院的座上宾詹明信[F．Jameson]是该刊的主编之一)，结果是，此文被登了出来。尽管这一事件的深远意义远未为人们充分意识到，但是，人们普遍认为，此举表明了后现代主义者的学术水准已经下降到了何种荒唐的地步。 　　 可以并不夸张地说，上述三个事件事实上已经宣告了哲学、文学艺术与社会文化三个层次上的后现代主义思潮的破产。“事件”之所以为“事件”，乃是因为人们在其中倾注了大量热情，因而卷入了无数文献。围绕着这些事件，人们能够组织起纷纭的思绪，从而给予一个时代的精神状况以实体表现的形式。而这个时代精神状况则是：人们对于后现代主义应当被理解为20世纪下半叶西方社会的一种病理症状对一点已经获得了清楚的自我意识。后现代主义以其智性上的反理性主义、道德上的犬儒主义与感性上的快乐主义，即便在最为流行的时候，也没有逃脱西方有识之士的尖锐批判。本书多次提及的哈贝马斯就是这样一位思想家。而另外一些学者，则将后现代主义看成西方高度现代主义[high modernism]的一个反题。现在，走向终点的反题已经失去了昔日的锋芒，一种新的综合开始到来。那就是“后现代之后”：魏尔默与霍内特之坚持现代主义与后现代主义的辩证观，当作如是解。然而，本书作者宁愿坚持一种拓展了内涵的现代主义立场，并认为哈贝马斯的“未完成的现代性”，或贝格尔的“后前卫艺术”的提法更为可取。因为，如果说现代主义是西方现代艺术的正题，那么，贝格尔所说的旨在摧毁现代主义自主原则的“历史前卫艺术”[historicalavant－garde，指达达主义、早期超现实主义与苏俄前卫艺术]才是现代主义的反题。而后现代主义，某种意义上只是欧洲历史前卫艺术(以杜桑[Duchamp]为代表)的延续，某种意义上则是欧洲历史前卫艺术的一个搞笑的美国版(以沃霍尔为代表，参本书所述胡伊森精彩的分析)。因此，导源于对现代性的敏感意识的现代主义，其潜力远未穷尽，而它在遭遇历史前卫艺术与后现代主义的挑战后，反而显出了更顽强的生命力。这就是本书结论中所说的“无边的现代主义”的基本意思。 　　　　然而，正当后现代主义在它的原发地已经走向终结的时候，它在中国却获得了始料未及的繁衍契机。与某些论者不同，本书作者并没有简单地将中国式后现代主义归结为学术界与艺术界鹦鹉学舌的结果(所谓“话语的平移”)。后现代主义在中国的传播有着深层次的历史原因，也有着更为具体可感的现实动机。后现代主义的反基础主义、反总体性、反主体性、强调动态过程胜于静态结构，与中国前现代性思维是如此合拍，以至于人们稍加思索就不难从后现代主义当中辨别出中国保守主义者的弦外之音。而它所宣扬的后现代主义视觉美学：非线性几何、不对称、反崇高、散点透视乃至中国园林式“后现代空间”……也与中国前现代性美学如出一辙。不是偶然的是，西方鼓吹后现代主义建筑最起劲的查尔斯·詹克斯先生的太太就是一位研究中国园林的专家。而欧美某些后现代主义“建筑大师”到中国来兜了一圈后欣快地大叫“后现代建筑在中国”，也就不难理解。于是，贫困时代的灾难性混乱、粗野的地方性崇拜与不加克制的复活主义立刻被宣布为后现代性的前卫性。而近年所谓“经济起飞年代”的那些拙劣的伪现代建筑与陈词滥调的现代主义当然不加区分地被宣布为“现代主义的垃圾”。 　　 后现代主义在中国落脚的时候，正是80年代尚未分化的中国知识分子群体的“新启蒙”遭到重创的时候。这赋予了后现代主义在中国的传播以干载难逢的大好机会。由90年代初的北京大学出版的《走向后现代主义》开路，北大与中国社科院一路高歌走向“后现代主义”的文化出版事业大游行：《后现代主义文化研究》、《后现代主义文化与美学》、《后殖民文化批评》，直到蔚为大观的“知识分子图书馆”(似乎只有后现代主义分子才配称得上“知识分子”的称号)。显然，除了迎合文化保守主义的心态，后现代主义太切合新左派的胃口了。在中国的文化保守主义者与新左派眼里，难道还有比批判形而上学的恐怖主义、理性社会的大监狱、西方中心主义的险恶用心、自由民主的乌托邦、全球化的谎言，宣扬身份与差异、文化与价值相对主义的后现代主义更好的东西吗? 　　　　与保守主义者忽然从后现代主义中找到了中国前现代性的新的合法性一样，中国的后现代主义者则从西方后现代主义“没有底盘的游戏”(德里达)、“一切皆可”(邓托)、“快乐的虚无主义”(奥利瓦)以及“正经不起来”(苏姗·桑塔格[Susan Sontag])那里，发明了“政治波普”、“泼皮现实主义”、“新文人画”、“玩得就是心跳”、“一点正经没有”，以及各式各样假冒的观念艺术。但是，与保守主义的危险不同，中国式后现代主义的危险并不在于它成了与当下感性全然无关的形式玩物与装饰，而是走到了另一个极端；即不顾一切形式法则与视觉质量的纯粹的观念。西方“历史前卫艺术”的合理因素在于：他们的反形式[anti－form]与反艺术[anti－art]是建立在西方现代艺术史特别是经典现代主义的高度形式主义的正题之上的。这样，前卫艺术的反题才拥有了一定的合法性。而中国式后现代主义在没有任何语境的前提下，一下子走到了反形式的前卫艺术，因此它除了孤零零的个别事件之外，不可能产生真正的文化政治[cultural politics]效应。不仅如此，它的真正危险在于，它以貌似激进的观念掩盖了这样一个基本事实：即中国现代性的先天不健全；并以这种思想的短路形式扼杀了中国当代艺术的现代性诉求。 　　　 在本书即将完成之际，我读到了英国著名批评理论家伊格尔顿的如下一段话：“今天在北京大学设有一个后现代研究的机构，中国在进口减肥可乐的同时一起进口德里达。一种需要深入探讨的时间扭曲。殖民主义的进程有助于在好坏两方面剥夺第三世界社会的发达的现代性，现在这个进程让位于新殖民主义的进程，由于这个新的进程，那些部分地是前现代性的结构被吸入了西方后现代性的旋涡。这样，没有继承一种成熟的现代性的岳现代性日益戒为它们的命运，好像落伍造成了一种形式的早熟。一个进一步的矛盾是，在古老与先锋的痛苦张力中，在文化的领域里，再造了一种现代主义艺术的某些经典条件。”(伊格尔顿：《后现代主义的幻象》，第139页)中国是否已经具备了现代主义艺术的经典条件，本书暂且不论。这里能说的是，从意识到我们的参照系的情形——西方现代主义事业的未竟使命及其后现代主义的幻觉——的那一刻起，这种条件就已经在形成之中了。因为，意识的照亮之处，正是救赎的开始之时。本书作者并不自命为这一救赎的努力当中的一部分。我只能满足于在四处弥漫着的文化保守主义与后现代主义大雾中保持清醒的尝试，并且坚信，正如文化保守主义一后现代主义同盟曾经欢呼雀跃地宣布中国可以并且应当绕过现代性直接跃入岳现代性是一场白日梦一样，那种认为后现代主义乃是中国艺术的命运的说法也只不过是一纸谎言。曾几何时，人们是那么醉心于中国可以避开工业化、城市化与社会化的现代性命题直奔信息化、乡土化与社群化的“后工业社会”的美梦，然而，一个越来越被认可的事实却是：中国一向试图绕过去的工业化进程、市场法则、理性化管理、程序合理性、法治原则，乃至于统治的正当性基础，却原来是绕不过去的现代性的硬核!而我们在走向社会的现代化与文化的现代性过程中所遭遇的种种挫折，无不可以追溯到这样一个事实：即我们没有从思想意识到行为习惯上真正确立主体性——黑格尔认为的现代性的本质——的基础地位。回顾中国式后现代主义狂热对“主体性”的嘲笑与“解构”，难道还不让人感到啼笑皆非吗!事实上，文化的中断与意义的失落(我们在处理传统与现代性问题上的曲折与反复)、社会的未分化和并非建立在真正的个体主体性基础之上的社会的虚假团结，以及个性的匮乏，解释了以下社会现实：由于我们在处理传统与现代性的关系问题上的笨拙，以至于“创新”需要被当作一种政治口号由政府来加以提倡；由于我们并没有真正确立起一种自我选择、自我负责的现代性的自律道德的基础，以至于“诚信”居然成为一个“拥有五千年文化的文明礼仪之邦”在遭遇现代市场法则与新型人际关系时的最大问题；由于强大的儒家传统与20世纪极左派集体主义意识形态对个体主义的压抑，以至于“个性”的不健全始终成为中国各种社会现象最有解释力的终极原因：由于缺乏个性，整个社会才循环地陷于各种“群众运动”之中；由于没有个性，整个社会才经常承受着未分化(在某种意义上就是没有多元的价值体系及其相应的多元的生活方式)所带来的巨大压力。以至于，人们可以说，一个庞大的无边无际的来分化社会的海洋(特鄹是农村)，为顽固的文亿保守主义提供了源源不断的社会资源；雨一个尚来形成自我意识中心、自我价值定位与自我道德承担的“无中心的”[non－centered]个人。恰恰成了“去中心的”[de－centered]、啕醉迷狂的、“一切皆可的”和不负责任的后现代主义的最佳温床。 　　 本书出版之际，我感到更加有必要感谢徐岱、高力克、毛丹、孙周兴、刘翔诸位先生，他们把我从结束学生生涯不久后的那种心智懈怠与无所事事中挽救了出来。回顾近十年的学术道路，我所取得的每一次转机都与他们在浙大玉泉校区所营造的智性氛围有关。对老浙大的怀念已成为一种珍贵的人生体验。没有一种氛围，一个人什么也干不来。因为你不可能在毫无氛围的情况下凝聚起纷乱的思绪。 　　 在本书的写作过程中，我还有幸前往剑桥大学从事为期一年的访学研究。在此要特别感谢剑桥大学艺术史系主任Dr．Binsky，他的热情好客使我得以自由地使用他们丰富完备的系图书馆和幻灯资料室。而Dr．Alice Mahon的现代艺术史专家与三一学院Fellow的双重身份，不仅给予了我直接的专业指导，而且还让我领略了最古老学院的日常生活气氛。我在剑桥的东道主哲学系则使我第一次感受到了“剑桥名士”们的风采。Dr．Raymond Geuss令人惊叹的慷慨博达与逸情雅致，常常令人如沐春风、豁然开朗。他的个人背景(出身于美国、长期就学与就勃于德国)及其德国思想史的学术背景，让我在一个视哲学基本为数理逻辑的剑桥环境中找到了“知音”。本书的最后体例就是在与他的无数次讨论之后才确定下来的。 　　其后去欧陆的游历虽然短暂，但至少部分地实现了我从少年时代就开始编织的梦想。艺术在这里　　见证了天地人神四方际会、供奉与馈增的游戏(巴台农神庙)，见证了古典时代的英雄精神(万神殿)，见证了中古时期神明与圣明的在场(“欧洲大教堂”)，也见证了文艺复兴时期人性与神性的卓越平衡。置身于欧洲就是徜徉于艺术。置身于欧洲意味着要回答如下问题：艺术之为美的形式如何与艺术之为真理的在场以及艺术之为道德的进盼相互关联?[How an art as the beau tiful form is related to an art as the present of truth and the stageto morality?]置身于欧洲还意味要回答这样的问题：一种伟大的文明如何屹立于地表，以及在这种伟大的文明中，艺术能够扮演何种伟大的角色?欧洲是真理的声音战胜虚无主义的历史本身，是道德的力量战胜犬儒主义的历史本身，是艺术的激情战胜猥琐无聊的历史本身。而这一历史本身又是如此直观地凝固在欧洲的城市建筑、广场、雕塑以及各大博物馆中!我在欧洲的经历使我懂得，一种伟大的艺术如何可能，以及一种伟大的文明最终怎样结晶于伟大的艺术之中!这一信念已经深深地沉淀于本书的血脉中了。 　　 在我感到有必要感谢的人当中，范景中先生的位置绝对位于前列。我深受其思想影响的人当中至少有两人(波普尔与贡布里希)与他的出色工作有关。因此，当范先生询问我可否将此书交给中国美院出版社出版时，我毫不犹豫地答应了。 　　 对写书的人来说，没有比遇到一位好编辑更幸运的事了。周书田女士热情而又高度负责的态度使本书得以最快的速度与读者见面。她不厌其烦地编选与调整大量插图，也使本书严肃的理论面孔变得可忍受了。 　　 最后，但不是最不重要的，我要感谢一直陪伴我左右的两位女士。她们对我的爱怜与纵容是我生活中的永恒慰藉。刚到欧洲时的单身生活使我更加刻骨铭心地感受到了她们在我生命中的位置。她俩的到来使我的生活得以恢复，并着手此书的写作，因此，把它献给她们，理所当然。　　

俄罗斯美术随笔

作者：  高莽著

出版社：人民文学出版社,2005

简介：本书是我国著名翻译家、美术家、优秀的中俄文化交流使者高莽先生根据数十年积累的大量珍贵资料和亲身体会写成的一本饶有风趣的、极具知识性的文化普及读物。全书汇集了作者不同年代写成的50篇形式洒脱、读来轻松的文化随笔，重点讲述了19世纪至20世纪俄国、苏联、俄罗斯50位具有世界声誉的画家、雕塑家、插图家的事迹，每篇均附有插图，共300余幅。

Explore the art of the Disney’s animation in the US

作者：  孙立军，马华著

出版社：京华出版社,2010

简介：　　《美国迪士尼动画研究》是国内首部历经8年深入探索和研究有着80多年历史的美国迪士尼动画创作专著。《美国迪士尼动画研究》由三个部分、9章构成：第一部分为华特?迪士尼的动画王国，深入探索和研究他从1923年至1966年间的萌芽时期、开创时期、调整时期和发展时期的动画创作历程，共4章。作者用大量翔实数据横向和纵向深入分析，生动具体地介绍了华特?迪士尼在这4个时期的动画创作理论、创作规律、创作风格、创作方式、艺术创新、创作经验和教训、制片策略、经营模式等内容。 　　第二部分为迪士尼公司动画世界，深入探索和研究从1967年至2008年底的后华特时代迪士尼公司的动画创作和经营之路，由探索期、繁荣期、转型期、迪士尼公司动画发展的挑战与复兴4章构成。 　　第三部分为迪士尼公司在中国，由1章构成，主要介绍了迪士尼动画的中国战略。 　　华特?迪士尼一生中不但创作出许多伟大的作品，且有不少失败和奋斗的故事也被世人记住。他终生对动画艺术的独特理解、精湛的讲故事技巧、对影片质量和新技术的追求、不断创新的商业模式、对创作题材的大胆突破和远见卓实、精辟的创作理论，一直是全世界动画新生代尊崇的典范；他那些至今无法被复制的大量动画，一直是观众流连往返的佳片。他是动画艺术精髓的化身。 　　迪士尼公司后来的掌门人在继承华特?迪士尼的艺术精髓的基础上又有了长足的发展，但同时也经历过几起几落。迪士尼公司在低潮时如何转型扩张?创作方式、经营方式和制片方针又有了哪些新变化呢? 　　《美国迪士尼动画研究》范围之广泛，内容之丰富，见解之精辟，资料之珍贵，在已经出版的动画著作中实属罕见，真是国内乃至海外动画新人的一大福音！华特?迪士尼和迪士尼公司的丰富创作理论、创作实践、艺术创新、商业模式、成功经验与教训必将成为中国的动画创作人员和高校动画专业学生努力提高素质和创作能力、开阔视野、进行艺术实践、勇于创新的重要养分和动力，成为他们创作出更加优秀的动画作品的风向标。

安哲罗普洛斯的影像世界

作者：  诸葛沂著

出版社：上海人民出版社,2010

简介：　　安哲罗普洛斯是欧洲最后一位在世的文艺电影大师，希腊国宝级的电影导演，作品纾缓悠长，兼具大气磅礴的历史深度与清醒深刻的哲学气息，一生囊括几乎所有欧洲电影界殊荣奖项。国内追捧安哲的文艺青年数以千计，陈凯歌、贾樟柯等国内导演亦坦承自己曾受其影片影响。本书是国内第一本关于安哲的原创性研究著作，文笔真挚优美。焦雄屏主编“电影馆”丛书最新作品。安哲本人亲为本书作序，接受作者笔谈访问，并提供大量珍贵的官方剧照收入书中，独一无二。

《清明上河图》船舶解构

作者：  陈守成著

出版社：上海书店出版社,2010

简介：　　《清明上河图》是北宋画家张择端存世仅见的一幅精品，属一级国宝，图画生动地记录了中国北宋时期城市生活的面貌，这在我国乃至世界绘画史上都是独一无二的。2010年上海世博会，也将《清明上河图》作为中国馆的主要元素之一。 　　 历代对宋代画家张择端的评价大多停留在“美术、人文”方面，赞颂他对北宋京都繁华景象及风土人情等等所作的大量描绘。而本书作者根据张择端提供的资料，运用一百幅精美灵动的原创彩色船模图像，辅以简练的文字叙述和说明，图文并茂地解述了宋代名画《清明上河图》对古代造船史研究的作用，进而又为广大读者认识航运业对古代城市生活的重要影响，提供了贴近历史原貌的生动视读与启示。本书是艺术性创作，是行家的珍藏品，图文并茂，图文共赏，极具欣赏及收藏价值，适合《清明上河图》爱好者们共同来研究、解读，使我们对北宋时期的汴河船有更多更深入的了解。

作者：  

出版社：

简介：　　如何能够把眼睛看到的美好景物固定住，是人类数千年来的梦想。这一梦想，被法国人尼埃普斯和达盖尔实现了。法国政府在距今160多年前的1839年8月19日，在法兰西学院正式宣布了摄影术的诞生。. 　　 旅法中国摄影家吴钢先生，15年来潜心于研究摄影发展历史，发表过许多介绍摄影发明家和古典摄影器材的文章。更于2000年，组织策划了法国摄影博物馆珍藏的古老照相机在北京展出。这些100多年前的老爷照相机，是第一次踏上中国的土地，也是法国和中国的文化交流当中的一件非常有意义的活动。.. 　　 吴钢先生，在职业摄影的繁忙工作之余，写出了这本介绍摄影历史的书籍《摄影史话》，其中，介绍了摄影术发明之前的两千多年时间里，世界各国的科学工作者对摄影光学和化学方面的初步探索，也着重介绍了法国伟大的科学家、发明家尼埃普斯和达盖尔的故事，以及他们对摄影术的发明所做出的努力和贡献；还介绍了摄影发明初期的一些重要发明家和摄影技术发展的各个重要阶段。通过这本书，可以使读者了解到在摄影术发明和发展的漫长的历史中，各个历史时期的主要发明人和技术，器材上的不断改进和完善。 　　 笔者作为吴钢先生的老朋友，也作为摄影术诞生地的法兰西艺术院的领导，衷心祝贺吴钢先生《摄影史话》的出版，也祝愿他在摄影史学研究上，取得更大的成就。...

罗丹论

作者：  (奥)里尔克(Rainer Maria Rilke)著;梁宗岱译

出版社：中央编译出版社,2006

简介：　　罗丹被视为自米盖朗基罗以来西方最伟大的雕刻家，有关他的书籍如恒 　　河沙数，这本《罗丹论》别具个性。里尔克不仅详尽地看过罗丹的完成或未 　　完成的作品，而且有机会亲近大师，实地观察他的工作，深入交谈，所以剖 　　析罗丹作品时能人所不能，深刻地揭示作品和作者的有机关系，披露作品包 　　含的深沉精神力量。 　　 梁宗岱熟谙德语，但翻译这本《罗丹论》时刚开始学习德文，所以由法 　　译本转译，译文保留的一条法译者注解可为佐证。 　　 本书的校注仍然依据法译初版本(巴黎埃美尔一保尔出版社，1927年)， 　　中译采用四川美术出版社1984年版为蓝本，同时参照重庆正中书局单行本(1 　　941年)和《华胥社文艺论集》(1931年)。罗丹很多作品以人名作标题，而里 　　尔克喜欢使用拟人化的技巧，在描述时以人名代替作品，中译遇到这种情况 　　时，有时还原成标题，有时译为人名。本书作了统一处理，把代表作品的人 　　名全部加上书名号(如《夏娃》、《巴尔扎克》、《雨果》……)。这个做法 　　可能有违里尔克拟人化的原意，但对不熟悉罗丹作品的读者来说，有助理解 　　原文。编者在订正手民之误之外，特别为罗丹作品补回法文原文，交代与罗 　　丹作品有关的一些时代背景，并且在书末增添图录，收入内文提及的罗丹作 　　品，方便对照和理解。 　　 在这些不事修饰的文字里，我们看到一段令人羡慕的友谊，里面充满了 　　真诚、爱心和灵性；我们看到岁月峥嵘的大艺术家罗丹，像他的大理石雕像 　　那样粗壮结实，昂头青天；我们看到砥心砺志的年青诗人里尔克，像出山的 　　细弱小溪，慢慢流成浩荡的大江。这些资料是珍贵的第一手材料，可用来与 　　本书互为印证，让我们更具体了解这段二十世纪的文艺界佳话。

Poster design quick search picture dictionary

作者：  丛琳编

出版社：化学工业出版社,2007

简介： 本书精选了600多幅国内外优秀海报作品，包括近年来“日、韩风”、欧洲古老海报等经典珍贵的资料。充分展现了海报的创作构思、意念、字体、图文关系、摄影、插图、色彩等创作技法及表现形式。 本书案例新颖时尚，版面简洁，便于参考查阅，为艺术设计工作者提供了最直接的灵感启发，使用者在查阅过精彩作品后，便能在此基础上提升并进行个性化创作。 本书对艺术设计工作人员及在校师生均是一本极有参考价值及欣赏价值的工具书，书中大量经典、时尚的案例更是难得的资料库。

当代中国新纪录运动

作者：  吕新雨著

出版社：三联书店,2003

简介：本书是对近十多年来在中国掀起的“新纪录运动”的实践上的展示与理论上的分析。上半部以访谈、对话方式，让这个运动中的多位主持——吴文光、康建宁、段锦川等——现身说法，回顾和盘点自己的纪录片创作的心理历程半部是作者从理论上对中国的纪录片实践进行系统分析，认为只有具备了底层精神、平民视点、历史意识和社会责任感，中国的纪录片才能走出以往宣传片和专题片的老路，以自己独特的方式、浓厚的人文关怀、理性和批评的视角，来纪录中国，为今人提供思索的途径，为后人留下珍贵的历史档案。

Photography methods of natual scenesSaihan grasslands:Saihan grasslands

作者：  姜平，刘宝杰著

出版社：中国摄影出版社,2009

简介：《风光摄影解析:塞罕坝》内容简介：2004年，中国摄影出版社出版了我的《塞罕坝——解读风光摄影》画册，承蒙大家的厚爱，画册当年销售一空。今年中国摄影出版社决定以《塞罕坝》画册为蓝本出版一本风光的图文书，并改名《风光摄影解析》，我深知这是对我的大力支持和关爱，我惟有倍加珍爱大家的这份感情，更加努力地去创作出更好的作品，回报大家的关爱。

Package design quick search picture dictionary

作者：  丛琳编

出版社：化学工业出版社,2007

简介：随着市场经济的突飞猛进，包装不仅仅是为了商 品自身的需求及方便消费者使用，更重要的是包装设 计已成为产品的内涵和灵魂，是企业文化的载体和表 现形式。 包装设计所应表现的文化性不单单指本地的民族传统，而是一种与时代共进的综合体现。日本包装的成功之处在于：充分弘扬传统文化的优越价值，同时又把西方文化、设计中的精华全方位地吸收，巧妙地结合。我国各民族的传统包装形式多样、造型独特、装饰风格鲜明，并具有浓郁的地方格调，如何将其转化为市场销售上的卖点，是当前包装设计中所面临的重要挑战。 本书按产品类别精选了600多个国内外包装优秀作品，包括近年来”日、韩风”、欧洲现代设计等珍贵的资料。书中运用精美的包装实例，充分展现了现代包装的风格与文化，表达出包装设计的特质及独到内涵。这些作品中点、线、面的运用尽显包装设计的空灵与神韵，不仅赏心悦目、颇具文化品位，而且其图案样式、文字形式、色彩运用无不透着强烈的时代气息，看似随意，实则精心安排。更多>>

Animation art history of the world

作者：  孙立军，张宇编著

出版社：海洋出版社,2007

简介：　　 世界动画史是动画专业学生必修课。本书由7部分17章构成：总论、中 　　国动画史、美国动画史、日本与韩国动画史、欧洲与北美动画史、采访新 　　一代动画领军人物、红色经典动画电影《小兵张嘎》总导演、北京电影学 　　院动画学院院长孙立军教授和IDMT三维动画电影《魔比斯环》艺术总监陈 　　明和12个附录。 　　 通过本书，可以较为深入地学习和了解二万五千年前先人们的动画意 　　念、中国动画开山鼻祖万氏兄弟年代、抗日战争年代、新中国成立后、20 　　世纪90年代中国动画产业发展情况，其中包括台湾和香港的动画发展简史 　　。美国从动画的开创阶段到20世纪90年代的整个动画产业发展情况。日本 　　动画萌芽时期到20世纪90年代的动画产业发展情况。欧洲和美洲包括俄罗 　　斯、英国、法国、德国、捷克、加拿大、荷兰、意大利、挪威、罗马尼亚 　　、波兰、南斯拉夫、巴西的动画发展简史，以及中国动漫产业最新发展动 　　态动画专业设置及韩国政府动漫发展相关政策等。 　　 本书是国内迄今为止内容最为全面、丰富、新颖、翔实、生动、具体 　　的世界动画艺术史专著。 　　 从中国第一部有声动画片《骆驼献舞》、第一部长篇动画片《铁扇公 　　主》到世界著名动画片《大闹天宫》、《三个和尚》、《天书奇谈》、《 　　宝莲灯》、《小兵张嘎》、《魔比斯环》、《艾丽斯》、《米老鼠和唐老 　　鸭》、《灰姑娘》、《蓝精灵》、《森林王子》、《埃及王子》、《阿童 　　木》、《圣斗士星矢》、《灌篮高手》、《鼹鼠的故事》等大批经典动画 　　片伴随着全世界一代又一代的儿童和年轻人成长，他们像粒粒智慧珍珠放 　　射出美丽而耀眼的光芒，鼓舞着人类不断创造更加美好的明天。 　　 本书对于读者开拓视野、学习和了解经典动画片的精髓、了解动画大 　　师奋斗历程、分析和借鉴成功的经验、启迪智慧、勇于创新大有益处。 　　

Affiches à la belle époque

作者：  李政亮著

出版社：南京大学出版社,2011

简介：　　法国巴黎是个充满历史线索的迷宫。博物馆里丰富的典藏、城市里处处可见的古色建筑、人物雕像，甚至许多地铁站里都有关于该站站名或该地相关历史的介绍。在这些历史线索中，我们可以找到殖民是我、革命的、战争的、文化的……种种历史渊源。不过，另一种为人忽视的历史，却在塞纳河边旧书贩的架子上被呈现。她们不是满载文字的书籍，也不是博物馆里被珍藏的名贵化作，而是一张张被复制为不同尺寸的广告海报。这些广告海报美好年代的人文社会风景，海报中既有象征法国国力的万国博览会，也有现代浴室这样的私人空间的形成…… 　　广告不是广告，广告是历史，是地景、城市、生活、探险、旅行、美学、艺术、文化、经济、政治、社会、国际关系……的历史；广告也是性，是社会关系，是商品的贩售，是欲望的暗示与撩拨及刺激，是选择及反映从而强化特定的意向与价值；广告转化大众媒介的性格。所有这些，点滴展现在这本隽永的小品里，趣味横生，知性盎然。　　

Baroque Art

作者：  邵亮编著

出版社：河北教育出版社,2003

简介：　　在我们即将提到的17世纪伟大的“巴罗克时代”之前，已经有数代艺术家试图在文艺复兴传统的基础上开拓这样一个崭新的世界。这其中也包括一种被称做“样式主义”的艺术尝试。一些艺术家重新打破了文艺复兴许多短短几天所苦心探求的“完美”人体以及与之相关的整个“再现自然”的标准，强调变形，夸张和装饰。虽然在16世纪的最后几十年间，并没有产生一个堪与米开朗琪罗这样的前辈巨匠相媲美的人物，但无论如何，这个时期的艺术家为丰富和超越那个“艺术传统”所作的种种努力是弥足珍贵的。正是在这几代艺术家那里，人们真正发现了艺术创作为广阔的可能性。而当17世纪初新一代艺术天才在他们的基础上，敏锐地找到那些为前人所忽略的全新的切入点时，一个全新的艺术时代遂从可能而变为现实。 　　 本书包括四个部分：从文艺复兴到巴罗克；巴罗克——从教堂艺术到架上画；风靡欧洲的巴罗克；巴罗克的转变和世俗时代的来临。

Graphic design the new basics

作者：  (美)埃伦·勒普顿，(美)珍妮·科尔·菲利普斯著;张翠译

出版社：上海人民美术出版社,2009

简介：　　 《图形设计新元素》一书提出了一些平面设计研究领域迫切需要关注 　　的新问题。埃伦勒普顿(Ellen Lupton)是《字体思维》(Thinking with 　　Type)等多本畅销书的作者；在本书中，她与同事珍妮弗·科尔菲利普斯 　　(Jennifer Cole phillips)合作为希望以审慎、严谨的方式了解平面设计 　　的人士提供了最新的基础读物，内容涵盖了当代的设计媒介、设计理论和 　　设计软件。作者借助图例和精到的评论，逐一讲述了点、线、面以及比例 　　、层次、图层和透明度等问题，小至标志，信头，大至复杂的网站．一切 　　设计都离不开这些基本概念。 　　 在这个大众传播内容被无休止地引用、重复使用已成为本能的时代， 　　艺术家和设计师们都渴望能够找到一种视觉效果强烈的、以形式为基础的 　　思维方式，并使其与当代艺术、生活和技术相协调。这一生动、简洁、表 　　述清晰的著作正是这样做的。 　　

工笔虎的画法:工笔技法

作者：  史汉柏编著

出版社：陕西人民美术出版社,2005

简介：手是人类重要体形结构的感觉器官。历代绘画艺术作品中，各种不同的人物画对性格、情感的描绘，还是要手来配合，那么手就是表达情感的感物。描绘人物主要对象，也就离不开对手的艺术处理。 人们常说“画人难画手”，手是千姿百态、自由、优美的。它那细长的手指，柔软的手指关节及宽大的手掌，无不使人对手的艺术所重视。在敦煌莫高窟、安西榆林窟以及藏经洞珍藏绢画中所绘手的造型，可以分为南北朝、隋唐和宋元三个较大的不同阶段。南北朝的艺术家把手和手指不分关节，一线贯通，不失手的结构，形成柔软而细长的造型特点。隋唐在南北朝基础上，由细长变得短而肥胖，采用起伏较大的短弧线，形成了柔而圆的特征。唐代的手指甲平，好像指甲埋在肉中，从外形上看细长而不瘦，富有弹性、温厚、圆润之感。宋元时期，主要是用了均匀、刚健而富有弹性的线，手指甲也较长，尖部还重复一弧线，整体造型圆润，线型挺拔。 现代人由于借鉴了前辈艺术家的手法，描绘外型名有不同，在解剖结构、实际写生，依据各种不同的人物形象，来表现整体的艺术造型，对手的表现更加完美。如此丰富和优美的手姿，在曲线、直线的变化下，给人留下了美的韵律。

Sound effects bible:how to creat and record Hollywood style sound effects

作者：  (美)里克·维尔斯(Ric Viers)著;王旭锋，徐晶晶，孙畅译

出版社：世界图书出版公司北京公司,2012

简介：　　 《音效圣经：好莱坞音效创作及录制技巧（插图版）》涵盖了从音效设计、录制到后期制作的各个环节。作者以诙谐幽默的语言，结合自己的实战经验，系统阐述了技术设备、拟音棚建设等基础内容，还有“录音十诫”、“拟音的艺术”、“声音剪辑十诫”等音效设计制作中应该遵循的基本规律。尤其是“音效百科全书”一章，作者把行业中的秘密一一揭开，毫不藏私地把各种音效录制技巧、方法巨细靡遗地呈现给读者。本书内容严谨却不教条，具备非常强的可操作性。音效设计制作及相关专业领域的从业人员和电影爱好者可以从本书中得到弥足珍贵的经验，并对好莱坞电影的音效制作行业有更为生动而深刻的认识。